Almas de metal (Westworld en su título original) es una
película estadounidense de 1973, escrita y dirigida por Michael Crichton en
base a su novela. Entre el reparto nos encontramos con: Yul Brynner, Richard
Benjain, James Brolin, Norman Bartold, Alan Oppenheimer, Victoria Shaw, Dick
Van Patten, Linda Gaye Scott, Steve Franken, Michael T. Mikler, Terry Wilson,
Majel Barrett.
Esta película, de índole futurista, nos
presenta un enorme lugar de vacaciones dividido en tres zonas: la Roma
Imperial, El Oeste americano y la Europa Medieval. Los turistas escogen el
parque que desean visitar, sumergiéndose así de lleno en la cultura elegida.
Allí son recibidos por robots, de apariencia totalmente humana, con los que interactúan
prácticamente sin obedecer a ninguna ley. Petter Martirn y John Blane son los
protagonistas, dos amigos que viajan al Oeste americano. Cuando los robots
comienzan a fallar, ambas amigos ven su vida peligrar.
Tres años después se estrenó la película Mundo futuro, llevada a cabo de la mano
de Richard T. Heffron. La película supone una segunda parte de Westworld. En esta otra película los
parques a visitar se centraban en la antigua Roma, la era medieval o la era
futurista espacial.
En 2016 HBO estrenó la exitosa serie Westworld. La serie cuenta con un elenco
que jamás deja que desear: con Evan Rachel Wood, James Marsden, Thandie Newton,
Tessa Thompson, Jeffrey Wright, Ed Harris, Aaron Paul, Ben Barnes, Anthony
Hopkins, Jimmi Simpson, Simon Quarterman, Rodrigo Santoro y Angela Sarafyan
entre otros. La serie ha recibido numerosas nominaciones y premios entre los
Emmys, los Globos de Oro, en los Satellite Awards y también por parte de muchos
de los sindicatos del mundo del cine y la producción audiovisual. Este año
(2020) se estrena su tercera temporada en la plataforma HBO.
A raíz de esta serie, Almas de metal ha renacido llegando a considerarse una película de
culto.
No cabe duda de que Almas de metal fue una película bastante avanzada en su tiempo
porque presenta una mezcla entre el género histórico, el western y la ciencia
ficción, hecho poco usual en los setenta.
Te recomiendo también mi post sobre Loving Vincent:
La estética visual del videoclip The Kill de la banda norteamericana de
rock alternativo 30 Seconds to Mars, se basa en la película El Resplandor de Standley Kubrick.
El
videoclip fue producido por Josh Abraham y 30 Seconts to Mars a través de la
discográfica Virgin Records. El
videoclip muestra el enfrentamiento de cada individuo contra sus propios miedos
en el proceso de aceptarse a uno mismo. El videoclip basado en la estética de
la película El Resplandor, también contiene una referencia a Requiem por un sueño (película de Darren
Aronofsky en la que había actuado como protagonista el cantante del grupo) al
utilizar la pantalla dividida. También habla de la confrontación entre el cruce
de caminos distintos en un mismo espacio, en este caso: en el hotel.
Los protagonistas y músicos que aparecen
en él son:Jared Leto, Shannon Leto, Tomo Milicevic y Matt Wachter.
En los MTV Video Music Awards de 2006, The Kill ganó el Premio MTV2. A su vez, The Kill fue premiado como Mejor Vídeo
del Año y el Mejor Vídeo Rock en los MTV
Australia Video Music Awards.
Por aquí os dejo un enlace al tráiler de la película:
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Por otra parte, El Resplandor (The Shinning en
su título original) es una película de Reino Unido que data del 1980. Fue
dirigida por Standley Kubrick, y escrita por el propio Kubrick junto con Diane
Johnson en base a la novela homónima de Stephen King.
La película cuenta la historia de una familia
que se traslada al hotel Overlook en Colorado. Jack Torrance, el padre de
familia, debe encargarse del mantenimiento del hotel durante el invierno, época
en la que el hotel queda cerrado y resulta aislado por la nieve. Jack tiene
previsto aprovechar la ocasión para encontrar paz y serenidad, aprovechando así
para escribir su novela. No obstante, pronto empieza a sufrir trastornos de
personalidad, y en el hotel empiezan a manifestarse todo tipo de fenómenos
paranormales.
En el reparto de la película
se encuentra Jack Nicholson, Shelley Duval, Danny Lloyd, Scatman Crothers,
Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman, Billie Gibson, Barry
Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Lisa Burns, Alison Coleridge y Norman Gay.
Entre los premiados en esta
película, destaca Scatman Crothers, quien ganó el premio a Mejor actor
secundario por los Saturn Awards, después de que la película contara con cuatro
nominaciones, incluyendo la de Mejor película de terror. Los Premios Razzie
nominaron a Kubrick como peor director y a Shelley Duvall como peor actriz.
Por aquí os dejo un enlace al tráiler de la película:
A continuación os dejo con el
recopilatorio de las imágenes a través de las cuales podemos ver cómo el
videoclip The Kill se basa en la
película El Resplandor.
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.1- Llegada de un coche: The Kill (0:00:15) / El
Resplandor (0:00:54).
.2- Paisaje nevado: The
Kill (0:00:30) / El Resplandor
(0:03:00).
.3- Maqueta del hotel vs maqueta del laberinto del hotel:
The Kill (0:00:39) / El Resplandor (0:39:35).
.4- Rótulo del lugar vs rótulo de la situación: The Kill (0:00:45) / El Resplandor (0:03:01).
.5- Llegada a la recepción: The Kill (0:00:58) / El
Resplandor (0:03:13).
.6- Tour por el hotel: The Kill (0:01:20) / El
Resplandor (0:20:50).
.7- El patín en el pasillo vs el cochecito en el pasillo:
The Kill (0:01:39) / El Resplandor (0:41:33).
.8- La máquina de escribir: The Kill (0:01:57) / El
Resplandor (0:43:23).
9- El señor con traje que ejerce como nexo de unión entre
el presente y el pasado: The Kill (0:02:01) / El Resplandor (1:24:45).
.10- De nuevo un rótulo: The Kill (0:02:02) / El
Resplandor (0:46:52).
.11- De nuevo la presencia de la máquina de escribir: The Kill (0:02:04) / El
Resplandor (0:47:01).
.12- El protagonista juega con una pelota golpeando la
pared: The Kill (0:02:07) / El Resplandor (0:37:48).
.13- El salón con globos postfiesta vs el pasillo con
globos postfiesta: The Kill (0:02:19) / El Resplandor (1:21:15).
.14- Tomando algo en la barra: The Kill (0:02:24)
/ El Resplandor (1:04:06).
.15- Los números de las habitaciones: The Kill (0:02:36) / El
Resplandor (0:41:55).
.16- La señora desnuda, que resulta estar muerta, y el
beso: The Kill (0:02:58) / El Resplandor (1:15:01).
.17- El enfrentamiento con la dualidad individual: The Kill (0:03:15) / El
Resplandor (1:28:40).
.18- Segunda visita a la barra del bar: The Kill (0:03:49) / El
Resplandor (1:23:09).
.19- Las gemelas fantasmales: The Kill (0:03:52)
/ El Resplandor (0:21:58).
.20- Segundo recorrido en patinete vs segundo recorrido
en el patín: The Kill (0:03:57) / El Resplandor (0:41:26).
.21- Amante vestido de oso: The Kill (0:04:14)
/ El Resplandor (2:09:58).
.22- Invitación a una fiesta de otra época: The Kill (0:04:37) / El
Resplandor (1:22:39).
.23- Fiesta con gente del pasado: The Kill (0:04:53) / El
Resplandor (2:20:21).
El videoclip cierra con la fiesta, mientras
que la película cierra con un The End.
En la película aparecen muchos
más rótulos para marcar tiempos y espacios, elemento que se reduce en el
videoclip por cuestiones de tiempo e importancia.
Espero que os haya gustado este análisis
sobre la estética visual del videoclip The Kill en comparación a la estética
que encontramos en la famosa película El Resplandor de Kubrick.
Os
dejo por aquí un vídeo con todas las imágenes, también disponible en mi canal de YouTube.
Te
recomiendo también mi post sobre Los cambios drásticos de Jared Leto para
adaptarse a sus personajes:
¡Hoy os traigo un post extra muy especial!
Aprovechando que hoy es mi cumpleaños voy a estrenar por aquí mi primer
cortometraje: Alice Guy and the New Art
(Alice Guy y el nuevo arte).
La película es pequeño biopic experimental
basado en las técnicas más primitivas del cine. Tiene como protagonista a la
gran Alice Guy Blanché, la primera directora de cine de la historia.
El cortometraje de 2:04 minutos de
duración, fue grabado en la playa de Gandía, Valencia, (España), el 8 de
febrero de 2020. Ha sido presentado a diversos concursos tanto en su versión
original en inglés como en su versión traducida al español.
El cortometraje incluye algunos datos
sobre la vida de la directora a modo de contextualización. Muestra, de una forma
muy visual, los trucos que utilizaba la directora en sus trabajos: como el
truco de parada, la substitución, la doble exposición del negativo, la marcha
atrás, la cámara lenta y la cámara rápida.
Ha
sido toda una aventura poder realizar este pequeño cortometraje en homenaje a
la gran directora Alice Guy.
Os dejo por aquí abajo los enlaces tanto
en español como en inglés a la película, con links directos a mi canal de
YouTube. Espero que os gusten.
-Cartel promocional en
inglés:
-Cartel promocional en
español:
-Movie - Alice Guy and the New Art:
-Película – Alice Guy y el nuevo arte:
-Retrato
de Alice Guy:
Puedes seguirme en mis redes sociales:
También puedes seguir en las redes a Ángela
Camarena, mi hermana y actriz en la película:
Loving
Vincet es una película polaca de 2017, dirigida por Dorota Kobiela y codirigida
por Hugh Welchman. La película fue escrita por la propia Dorota Kobiela, Hugh
Welchman y Jackel Dehnel. Entre los actores que la componen nos podemos
encontrar con: Douglas Booth, Helen McCroury, Saoirse Ronan, Aidan Turner,
Eleanor Tomlinson, Chris O´Dowd, Jerome Flynn, John Sessions, Holly Earl,
Robert Gulaczyk, James Greene, Bill Thomas, Martin Herdman, Josh Burdett,
Richard Banks y Shaun Newnham.
Este biopic animado se contextualiza en el
año 1891, un año después de la muerte de pintor Vincent Van Gogh. Roulin es un
cartero con una cuenta pendiente: entregar la última carta que el pintor le
escribió a su hermano Theo. Tras varios intentos fallidos le encomienda la
importante misión a su hijo Armand. En ese momento Armand se sumerge en toda
una aventura que le llevará a querer descubrir cada vez más cosas sobre el
pintor y su enigmática muerte.
Loving
Vincent es el primer largometraje de la historia realizado mediante
pinturas animadas. Inspirado en las cartas y en las obras de Vincent, es en sí
mismo una auténtica obra de arte y un regalo para la vista. Cada fotograma de
la película está compuesto por un cuadro pintado sobre óleo siguiendo el estilo
de Van Gogh.
La directora, Dorota Kobiela, cursó sus estudios
en arte, y posteriormente se dedicó al cine junto a su esposo Hugh Welchman.
Dorota se planteó realizar la película como un corto pintado íntegramente por
ella misma. Su marido, ganador de un Óscar por el cortometraje Pedro y su lobo, la animó a convertirlo
en un largometraje. Hugh le veía muchísimo futuro a aquella idea que tanto
apasionaba a su esposa.
La película, de ochenta minutos, está
compuesta por más de 65.000 cuadros pintados al óleo. Hasta 1345 cuadros
terminaron siendo descartados del producto final. Para generar el movimiento se
usaron entre 6 y 10 cuadros por segundo, todo eso teniendo en cuenta que
normalmente la animación usa 12 cuadros por cada segundo.
El proyecto comenzó a realizarse con 20
pintores de Polonia, pronto pasaron a los 40, reuniendo así todos los más
conocidos del país. Siendo todavía insuficientes, al trabajo se unieron nuevos
artistas provenientes de Ucrania. El actor que encarna al personaje
protagonista Amarnad (Douglas Booth), hizo un vídeo para YouTube hablando de lo
costosa que estaba siendo la producción de la película con la intención de
llamar la atención de más artistas. Al día siguiente ya contaban con más de
5000 curriculums de todas partes del mundo. Finalmente el equipo de pintores
ascendió hasta los 125 artistas.
Dorota Kobiela, la directora, quien
también pintó la película junto a su marido, afirmó en una entrevista que de
haber pintado la película ella sola habría tardado veintiún años. No obstante,
con todos estos artistas colaborando en la producción, los fotogramas de Loving Vincent se pintaron en tan solo
dos años.
Uno de los principales problemas con los
que se topó Loving Vincent, fue con
la gran dificultad para encontrar financiación. Nunca antes se había hecho una
película de aquella forma, por lo que nadie parecía querer arriesgarse con
ella.
Filmada con actores reales con croma y pintada
después con miles y miles de cuadros imitando el estilo de Van Gogh, Loving Vincent se convirtió en un
auténtico reto para todos los que trabajaron en ella.
En 2017 Loving Vincent fue nominada a los Premios Óscar en la categoría de
Mejor largometraje de animación (premio para el cual, sin lugar a dudas, habría
sido una justa ganadora). En los Globos de Oro la película fue nominada a Mejor
filme de animación, en los Premios BAFTA a Mejor película de animación, y en
los Premios Annie la consideraron también en las categorías de Mejor película
independiente, Mejor guión y Mejor música. Ese mismo año se presentó como la
Mejor película de animación en el Festival Internacional de Shanghai. En el
Festival de Annecy, por otra parte, se llevó el aclamado Premio del público. A
su vez los Premios del Cine Europeo la consideraron Mejor largometraje de
animación. La National Board of Review
(NBR), también la catalogó como una de las Mejores películas independientes del
año. Por su parte, la Critics Choice
Awards la nominó a Mejor largometraje de animación. El Círculo de Críticos
de San Francisco también la nominó a Mejor film de animación. Los Satellite Awards la nominaron a Mejor
largometraje de animación. Y los Premios David
di Donatello, la consideraron también candidata a Mejor film de la Unión
Europea.
No cabe duda de que Loving Vincet es una auténtica delicia visual, merecedora de la
catalogación de cinco estrellas tanto en este blog como en cualquier rincón de
la tierra.
Os dejo por aquí un pequeño making of de
la película:
“Pero la visión de las estrellas siempre
me hace soñar. ¿Por qué, me pregunto a mí mismo, han de ser esos destellos de
luz en el firmamento inaccesibles al hombre? ¿Y si la muerte nos condujera a
las estrellas?”
Vincent Van Gogh en su carta a su
hermano Theo.
Loving Vincent.
Te recomiendo también
mi post sobre 62 bandas sonoras increíbles:
