lunes, 25 de febrero de 2019

“¿Cómo se eligen los ganadores de los Premios Óscar?”


Seguro que todos nos hemos preguntado en más de una ocasión cómo se eligen los ganadores de los míticos Premios Óscar.
Si quieres saberlo, solo tienes que continuar leyendo este artículo para descubrirlo.

La encargada de llevar a cabo la organización y la entrega de premios es la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS), fundada en 1927. Actualmente cuenta con más de 6.000 miembros entre productores, directores, actores, guionistas, etc.
Cada miembro vota en función a su profesión y especialización. Si dicho miembro ha trabajado en más una categoría, solo votará por aquella en la que esté más especializado. A esto se le suma el voto a la categoría de Mejor película, en este caso, todos y cada uno de los miembros de la AMPAS pueden votar.
Los miembros de la AMPAS entran por invitación o porque cuentan con una importante carrera relacionada con las artes cinematográficas. En la actualidad, si uno de los miembros está más de diez años profesionalmente inactivo, pierde su derecho a voto.

El requisito indispensable para ser nominado al Óscar es haber estrenado una película en los cines de Los Ángeles (EE.UU.), entre el 1 de enero y el 31 de diciembre del año anterior a la entrega de premios. La única excepción geográfica es la categoría a Mejor película extranjera, en este caso pueden presentarse una película por cada país.

La extensión mínima de las películas es de cuarenta minutos (excepto en el caso de los cortometrajes).

Para llevar a cabo la vocación, los miembros de cada rama votan hasta a cinco candidatos de la categoría a la que pertenecen. Estos cinco candidatos se votan siguiendo un orden de preferencia. Lo mismo pasa con la categoría de Mejor película, que como ya se ha mencionado, está sujeta al voto de todos los miembros de la academia. De entre todos estos votos salen cinco o tres nominados dependiendo del rublo. 
Para obtener una nominación, se debe alcanzar un número mínimo de votos en el primer puesto de preferencias. Se toma el total de los votos de cada categoría, y a partir de ahí se divide por la cantidad de nominados (la cantidad de nominados es de seis o de cuatro, dependen de la categoría). El número que aparece como resultado es el necesario en cantidad de votos en el primer puesto de preferencia. Un ejemplo sería este: 400 votos en total en la categoría de fotografía dividido entre cuatro candidatos hacen un total de 100. En ese caso, para estar nominado se precisará de 100 votaciones en el primer puesto para optar al Óscar a Mejor fotografía.
En el caso de que tan solo uno, o un número insuficiente de nominados llegue al conocido como número mágico, el procedimiento es el siguiente: Se eliminan los candidatos que obtuvieron menos votos en el primer lugar de preferencias, y se vuelve a realizar una nueva votación con los restantes tomando en cuenta a los nuevos candidatos en el primer y segundo puesto de preferencia hasta llegar al cupo de nominados.
Los votos se realizan mediante este método de preferencia con un fin muy claro: conseguir una representación proporcional evitando que nadie se vote a sí mismo o compre votos para salir nominado.
A partir de ahí, se presenta la lista de nominados a cada categoría para realizar una votación final siguiendo este mismo método. Cada miembro de la AMPAS vota a la categoría que le corresponde por especialización más a la categoría a Mejor película. Tan solo dos miembros de la academia se encargan de contar los votos y preparar los sobres sellados con los resultados finales con el nombre del ganador o ganadora al Óscar.

Para cerrar este artículo, una vez conocido el método de votación a los Óscar, me gustaría destacar otro punto. Se trata de un pequeño debate acerca de hasta qué punto son justas las votaciones dependiendo de determinados factores que afectan a los que serán y no serán nominados.
Julio Escalante, es un periodista y crítico de cine que considera que la mayoría de las películas que llegan a ser nominadas tienen el respaldo de los grandes estudios hollywoodienses. Esto deja en un segundo plano a los trabajos de cine independiente.
A su vez, el periodista y crítico considera que las películas estrenadas en los cuatro último meses del año, tienen más posibilidades de obtener más votos ya que son las más recientes y por lo tanto las más recordadas por los votantes de la academia.
Finalmente, otra crítica de Julio Escalante, se centra en la temática de las películas seleccionadas. El crítico considera que las películas que tratan temas de discriminación racial, homosexualidad y empoderamiento de la mujer, tienen más posibilidades porque proyectan una mejor imagen de la AMPAS. No obstante, no podemos olvidar que no hace muchos años ciertos trabajos eran discriminados por tratar estos mismos temas. Este fue el caso de Brokeback Mountain, la famosa película de Ang Lee que trata de un romance homosexual. La película recibió cierta discriminación, a principios de los 2.000, por parte de algunos miembros de la AMPAS que incluso llegaron a negarse a verla. Lo mismo se ha dicho de ciertos géneros cinematográficos que usualmente suelen ser dejados de lado como lo es el caso del cine de terror. 

lunes, 18 de febrero de 2019

"¿De dónde vienen los Óscar?"


¿De dónde vienen los Óscar? Seguro que más de uno se ha hecho esa pregunta alguna vez.
En el siguiente post descubriremos su historia, cómo empezó todo, cuándo nacieron, y conoceremos algunas de las especulaciones que explican el porqué de su nombre.

Los Premios Óscar (The Oscars) o Premios de la Academia (Academy Awards) son los galardones que se otorgan anualmente a profesionales del cine en los Estados Unidos. La AMPAS, Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (Academy of Motion Picture Arts and Sciencies) es quien se encarga de repartir los premios.

Cada año se fabrican entre 50 y 60 estatuillas. Las que no pasan los controles de calidad se funden otra vez. Para fabricar una sola estatuilla se estima que hacen falta veinte horas de trabajo y doce trabajadores encargados de hacerla posible. 
La estatuilla se compone por un caballero dorado armado sobre un rollo de película de cinco radios. Cada radio simboliza una de las cinco ramas originales de la Academia: actores, guionistas, directores, productores y técnicos.
La creación de la estatuilla se remonta a 1928. Fue diseñada por Cedric Gibbons, el director artístico de la Metro Goldwyn Meyer. Posteriormente, George Stanley fue quien la esculpió.
Los Óscar miden 34cm de altura y pesan cuatro kilos. En sus orígenes estaban hechos de bronce macizo y bañados en oro. Tiempo después comenzaron a realizarse mediante una aleación que permitía el acabado pulido. La única excepción en su fabricación fue en los años 1942 y 1944, momento en que se fabricaron en yeso a consecuencia de la guerra.

Existen diversas especulaciones acerca del origen del nombre de los Premios Óscar.
En el momento de su creación, cuando todavía no se le había asignado un nombre oficialmente, se referían a este premio con nombres como: “la estatuilla de la Academia”, “el trofeo dorado” o “la estatuilla al mérito”.
La anécdota más famosa que justifica el nombre definitivo de la estatuilla se centra en una bibliotecaria. Se dice que, en 1931, Margaret Herrick, la bibliotecaria de la Academia, dijo que la estatuilla le recordaba a su tío Óscar.
Similar a esta historia, se cuenta que Eleanor Lilleberg, secretaria ejecutiva de Louis B. Mayer, tras ver el premio afirmó que este se asemejaba al rey Óscar II.
Por otra parte, una biografía de la actriz Bette Davis, afirmaba que la estatuilla había sido nombrada de dicha manera en honor a su primer esposo, Óscar Nelson.
Posteriormente, el periodista Sidney Skolsky, se refirió al galardón como el Óscar en el Times, al escribir sobre la ganadora al premio a Mejor actriz de ese mismo año, Katherine Hepburn en 1934, en la sexta entrega de premios de la academia.
No obstante, se cree que dos años antes, Walt Disney ya había citado el nombre de Óscar al agradecerle el premio que le había entregado la academia ese mismo año.
Fuera como fuese, lo único que está claro es que en 1939, el premio fue reconocido oficialmente como Óscar por la AMPAS.

La primera entrega de los Óscar se celebró el 16 de mayo de 1929 en el hotel Roosevelt en Los Ángeles, con intención de premiar los logros cinematográficos comprendidos entre 1927 y 1928. Se entregaron hasta quince estatuillas y la audiencia fue de unas 270 personas aproximadamente. En esa ocasión los ganadores fueron anunciados tres meses antes de la ceremonia de entrega. No obstante, para la segunda entrega se cambió este sistema haciendo que los nombres de los ganadores se publicasen el mismo día de la gala a las 11p.m. No fue hasta 1941 cuando se comenzó a utilizar el sistema actual en la que los nombres de los ganadores se encuentran bajo un sobre sellado.

Durante las seis primeras entregas de los Óscar, podían optar al premio todos los trabajos realizados en el periodo aproximado de dos años previos a la gala. A partir de la ceremonia de 1935, esto se cambió a un año, quedando el periodo comprendido entre el 1 de enero hasta el 31 de diciembre.

   A lo largo de la historia de los Óscar, ha habido algunas variaciones de categoría y se han entregado algunos premios especiales.
Hasta la fecha, algunos de los Premios Óscar entregados por categorías discontinuas han sido: Mejor argumento (desde 1928 a 1956), Mejor asistente de dirección (desde 1933 a 1937), Mejor calidad artística de producción (1928), Mejor coreografía (desde 1935 a 1937), Mejor cortometraje a color (1936 a 1937) y Mejores efectos de ingeniería (1928).
     Por otra parte, existen una serie de premios especiales votados por comités especiales: Premio Juvenil de la Academia (entre 1934 y 1960), Óscar Honorífico o especial (desde 1928), Premio Irving Thalberg (desde 1938), Premio Humanitario Jean Hersholt (desde 1956), Óscar Gordon E. Sawyer (desde 1981) y los Premios científicos y técnicos (desde 1931). Los Premios científicos y técnicos se dividen en tres categorías: Óscar al mérito científico o técnico (la entrega es una estatuilla de los Óscar), Óscar al logro científico o técnico (la entrega es una placa conmemorativa de oro con una representación de la estatuilla de los Óscar) y Premio al logro técnico (sin ninguna entrega, tan solo el reconocimiento verbal).

     Los Óscar, considerados uno de los premios más importantes a la par que elegantes a nivel mundial, son, y serán siempre, todo un acontecimiento, admirado por los amantes del cine y de las artes en general. 


En la siguiente tabla puede verse el listado de categorías y su año de incorporación a la entrega de los Premios Óscar:









lunes, 11 de febrero de 2019

"¿De dónde vienen los Goya?"


¿De dónde vienen los Goya? Seguro que más de uno se ha hecho esa pregunta alguna vez.
En el siguiente post conoceremos su historia, cómo empezó todo, cuándo nacieron y porqué toman el nombre de un pintor en lugar del de un director de cine o de cualquier otra persona vinculada a la cinematografía española.
Los Premios Goya son los galardones que se otorgan anualmente a profesionales del cine de nuestro país. La Academia de las Artes Cinematográficas de España, es quien se encargar de repartir los premios.
La estatuilla de los Goya se constituye por un busto de bronce del escultor José Luis Fernández. La primera que se entregó fue realizada por Miguel Ortiz Berrocal, era desmontable y pesaba 15kg. A partir de la cuarta edición, empezaron a repartirse las estatuillas d José Luis Fernández, mucho más ligeras y con el busto más reducido que las anteriores.
La ceremonia se lleva a cabo entre finales de enero y principios de febrero.
Su historia se remonta al 12 de noviembre de 1985. Ante la situación incierta y complicada del cine español, el productor Alfredo Matas, convocó en el restaurante O´Pazo de Madrid a una serie de personas relacionadas con nuestro cine. Entro los asistentes se encontraba Luis García Berlanga, Carlos Saura, Marisol Carnicero, Tedy Villalba, José Sacristán, Charo López, Pablo González del Amo, José Luis Matesanz, Manuel Matji, José Nieto, Carlos Suárez y Ramiro Gómez.
La reunión, avalada por ochenta y siente firmas de profesionales del cine, sería el inicio para la formación, al año siguiente, de La Academia de las Artes Cinematográficas de España.
Una vez creada la academia, se puso todo en marcha para crear la ceremonia y constituir la entrega de premios que se entregarían por primera vez en el teatro Lope de Vega de la Gran Vía de Madrid.
Tocaba decidir el nombre de los premios. Fueron muchas las especulaciones, desde Premios Lumère, Premios Buñuel a Premios Soles. Finalmente se decidió que se denominarían Premios Goya. Eligieron este nombre porque es corto y se pronuncia con rapidez. Según determinaron, el nombre se asemeja a los premios equivalentes que se entregan en otros países como los César en Francia, los Oscar en Estados Unidos o, con un nombre un poco más largo, los David de Donatello en Italia. Los asistentes a la asamblea determinaron que Goya había tenido un concepto pictórico muy cercano al cine, y que algunas de sus obras más conocidas siguen un tratamiento secuencial.
En la primera edición, se repartieron premios en dieciséis categorías. El número ha ido aumentando hasta alcanzar las veintiocho actuales. En 1988 se dividió la categoría de Mejor guión en Mejor guión Original y Mejor guión adaptado. Un año después, se añadió la categoría de Mejor director novel y Mejor película de animación. A su vez empezaron a reconocerse los cortometrajes ese mismo año. En 1992 se incorporó el premio a la Mejor película europea. Dos años más tardes los premios a Mejor actor revelación y Mejor actriz revelación. Finalmente en la siguiente década se añadieron las categorías a Mejor canción original y Mejor película documental.
Uno de los Premios Goya más especiales, es el del Goya Honorífico, otorgado desde la primera edición de los mismos. Con este galardón se reconoce el mérito a un cineasta correspondiente a cualquiera de las especialidades cinematográficas. Se reconoce a sí su amplia dedicación a la industria del cine español.
Desde el momento de su nacimiento hasta la actualidad, la entrega de los Premios Goya es uno de los acontecimientos cinematográficos más esperados de nuestro país. 


En la siguiente tabla puede verse el listado de categorías y su año de incorporación a la entrega de los Premios Goya:



“Historias de San Valentín”.


Historias de San Valentín (Valentine´s Day en su título original) es una película estadounidense de 2010, dirigida por Garry Marshall y escrita por Katherine Fugate, Abby Kohn y Marc Silverstein. Entre el elenco de actores podemos encontrar a Ashton Kutcher, Julia Roberts, Jamie Foxx, Anne Hathaway, Shirley MacLaine, Kathy Bates, Jessica Biel, Jennifer Garner, Jessica Alba, Bradley Cooper, Emma Roberts, Topher Grace, Patrick Deempsey, Queen Latifah, Eric Dane, Héctor Elizondo, George López, Taylor Swift, Taylor Lautner, Bryce Robinson, Carter Jenkins, Christine Lakin y Bonnie Aarons.
La película se construye a partir de distintas historias que se entrelazan el día de San Valentín. Una de ellas la protagoniza un vendedor de flores que espera casarse con su novia, y que es rechazado poco después. La segunda historia la protagoniza su mejor amiga, quien sale con un médico casado y no parece querer darse cuenta de ello. La tercera de ellas la protagoniza un niño, enamorado de su profesora. La cuarta la conocemos de la mano de la niñera de este niño. La quinta a partir de sus abuelos, quienes empiezan a sufrir una brecha  importante, causada por una vieja infidelidad, tras años de matrimonio. La sexta es la de una joven animadora contenta por el oso de peluche que le ha regalado su novio, uno de los deportistas del instituto. La séptima es la de una publicista que organiza todos los años una fiesta de chicas en contra de San Valentín y los enamorados. La octava la protagoniza un periodista deportivo que se ve obligado a cubrir las noticias de San Valentín en contra de su voluntad. La novena historia es la de una chica que trabaja en una línea erótica y teme que el chico con que el que sale, desde hace poco tiempo, la descubra. La décima es la de una militar que vuelve a casa para pasar el San Valentín, y su compañero de viaje. Y finalmente, la onceava es la de un deportista profesional cuya carrera pende de un hilo, y quien además guarda un secreto que puede hacer peligrar su carrera y que ansía poder decir en voz alta.
Pasamos ahora a conocer algunas de las curiosidades de la película:
La más sonada de ella la protagonizan Taylor Swift y Taylor Lautner, quienes interpretan a los estudiantes de instituto Felicia Miller y Willy Harrington. Ambos empezaron a salir a raíz de interpretar sus papeles en la película, aunque su relación apenas duró tres meses, es recordada por muchos porque ambos actores comparten el mismo nombre.
Una de las curiosidades más escandalosas de la película, la protagoniza Julia Roberts. La actriz, que tan solo aparece seis minutos en pantalla, ganó tres millones de euros por ella. Un total de 6000 euros por segundo, o dicho de otra forma, 12000 euros por palabra.
La tercera y última curiosidad, consta de una curiosa serie de coincidencias. Anne Hathaway, Hector Elizondo, Larry Miler y Kathleen Marshall, también habían formado parte de la película Princesa por Sorpresa bajo la dirección de Garry Marshall. Por otro lado, Julia Roberts, Hector Elizondo, Larry Miler y Kathleen Marshall coincidieron en Pretty Woman.
La película fue todo un éxito por el conjunto de celebridades que protagonizan diversas historias de amor entrelazadas. Garry Marshall, dirigió otra película, Noche de fin de Año, de la que ya hemos hablado en el blog, que sigue este mismo patrón cambiando las historias, los protagonistas y la fecha.

En 2010 la película fue nominada a los MTV Movie Awards a mejor beso por Taylor Swift y Taylor Lautner. A su vez obtuvo nueve nominaciones en las Teen Choice Awards, de los cuales Taylor Swift ganó el premio a Mejor actriz revelación. Historias de San  Valentín fue nominada a Película de comedia favorita en los 37th People´s Choice. Por su parte en los 31st Golden Rapsberry Awards, la película, nominada en cuatro categorías distintas, se alzó con dos premios, el de Peor actriz de reparto para Jessica Alba, y el de Peor actor para Ashton Kutcher.

“El camino del amor no es una discusión sutil, la puerta a la que lleva es la devastación. Uno no se deja la cabeza, por amor la pierde.”
Alphonso Rodríguez.
Historias de San Valentín.



lunes, 4 de febrero de 2019

“La forma del agua”.


La forma del agua (The Shape of Water en su título original) es una película estadounidense del 2017, dirigida Guillermo del Toro y escrita por Guillermo del Toro y Vanessa Taylor. Entre los actores que conforman la película podemos encontrar a Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxine Crossman, Amanda Smitch, Cyndy Day y Dave Reachill.
La película se contextualiza en los años sesenta. Elisa, la protagonista, es una chica muda que trabaja como limpiadora en un laboratorio donde se llevan a cabo experimentos secretos relacionados con la Guerra Fría. Allí conoce a hombre anfibio, sujeto de experimento de algunos científicos, con el que empieza a tener una relación cada vez más especial. Sus amigos, Zelda, compañera de trabajo, y Giles, vecino, la acompañan y la ayudan en su intención de evitar que dañen al hombre anfibio.
La película se ha ganado el cariño tanto del público como de la crítica cinematográfica. De hecho, en los 90 premios Oscar, La forma del agua, fue nominada a trece categorías. Finalmente se llevó un total de cinco premios, entre los que se incluye el de Mejor director para Guillermo del Toro, y el de Mejor película.  
No obstante, lejos de todo el éxito cosechado, La forma del agua no deja de estar sujeta a la polémica. Acusaron a Guillermo del Toro de plagiar el cortometraje The Space Betwen us, escrito y dirigido por Marc Nollkaemper. Guillermo del Toro alegó que el guión de La forma del agua se inició años antes del estreno del cortometraje de Nollkaemper. A su vez, David Zindel lo acusó de copiar la trama de la obra de teatro Let me hear you Whisper de 1969, escrita por su padre, Paul Zindel. Guillermo del Toro se defendió de la acusación diciendo que desconocía totalmente esta obra.
El director confirma que su principal influencia  para la película fue Creature From the Black Lagoon de 1954, dirigida por Jack Arnold. Guillermo del Toro afirma haber visto la película por primera vez a los seis años, y ante su desconformidad con el final, se dijo a sí mismo que algún día lo cambiaría. A su vez se inspiró en el personaje de CD Comics Swamp Thing, en King Kong y en la Bella y la Bestia.
La música de La forma del agua es uno de sus elementos más especiales. El tema principal se construye a través de una melodía que parece silbada. Resulta muy representativo para el personaje principal, ya que ella no puede cantar ni tararear para producir música, pero sí puede silbar.
Algunas de las curiosidades de la película están relacionadas con su director.
Guillermo del Toro nació el 9 de octubre de 1964, justo la fecha que aparece en el calendario de Elisa en la película. El día siguiente está marcado por la protagonista como el mejor para liberar al hombre anfibio.
Otra curiosidad relacionada con el director nos la cuenta Nathan Robitalle, editor de sonido. En Vanity Fair confirmó que la respiración del director aparece mezclada entre otros sonidos para dar vida a los sonidos emitidos por el hombre anfibio.
Guillermo del Toro contó en una revista que estuvo a punto de morir en el set. El actor Michael Shannon, quien interpreta al villano Richard Strickland, debía bajar del coche rápidamente en una escena. Pero el coche permaneció abierto dado que era viejo no funcionaba bien. Inmediatamente se dirigió hacia el director, por suerte el actor logró llegar a tiempo y detenerlo antes de que este se estrellase contra el director. 
La actriz principal, Sally Hawkins, tampoco se queda corta como protagonista de algunas curiosidades.
Sally consiguió el papel tras colarse en una fiesta a la que Guillermo Del Toro ni siquiera había pensado ir en un principio. Según cuenta el director, esperaba competir con otros dos colegas con la cantidad de copas que lograban tomarse, y cuando estos le dejaron de lado decidió irse. Vio a Sally, la abrazó y le dijo que estaba escribiendo una película en la que se enamoraría de un hombre pez. Al escuchar aquello, ella aceptó el papel de inmediato sin pensárselo dos veces. 
Efectivamente el personaje de Elisa se enamoraría del hombre pez señalado por el director, pero a su vez también lo haría Sally Hawkins de Doug Jones, el actor que interpreta al hombre anfibio. Los actores tuvieron que tomar clases de baile juntos, y pasaron mucho tiempo conociéndose hasta terminar tan enamorados como sus personajes. Según cuentan los propios actores, se daban un abrazo justo antes de rodar una escena.
Para encarnar su papel, Sally estuvo estudiando minuciosamente la actuación de Audrey Hepburn en My Fair Lady. La Elisa Espósito de La Forma del Agua y la Eliza Doolitle de My Fair Lady están directamente conectadas. Ambas son mujeres de clase trabajadora cuya comunicación no verbal cobra un papel muy importante en su vida. 
Finalmente, otra curiosidad relacionada con la película va directamente relacionada con el Elgin Theatre, un teatro de Toronto, Canadá. Justo encima de ese lugar es donde vive la protagonista, Elisa, y justo allí es donde se proyectó la película por primera vez.
En 2017, La forma del agua obtuvo hasta trece nominaciones a los premios Oscar, de los cuales ganó cuatro: Mejor dirección, Mejor película, Mejor banda sonora original y Mejor diseño de producción. En los Globos de Oro fue nominada hasta en siete ocasiones, haciéndose con el galardón a Mejor director para Guillermo del Toro y a Mejor banda sonora original. Tras sus doce nominaciones para los premios BAFTA, La forma del agua, ganó el premio a Mejor dirección, Mejor diseño de dirección y Mejor música de película. En el festival de Venecia obtuvo el León de Oro a la Mejor película. La AFI (American Film Institute) situó la película como una de las mejores del año. La Critics Choice Awards le concedió el premio a Mejor película, Mejor dirección, Mejor dirección artística y Mejor banda sonora. La dirección de Críticos de Los Ángeles le concedió el premio a mejor actriz a Sally Hawkins y el de Mejor fotografía a Dan Laustsen. Por su parte, la asociación de Críticos de Chicago nominó la película hasta en siete ocasiones incluyendo el de Mejor película. Satellite Awards, tras nominar la película hasta en diez ocasiones, le concedió el galardón a Sally Hawkins en la categoría de Mejor actriz. El PGA (Sindicato de Productores) le concedió el de Mejor película, el DGA (Sindicato de Directores) el de Mejor director y Mejor película, el WGA (Sindicato de Guionistas) la nominó a Mejor guión original y el SAG (Sindicato de actores) nominó a Mejor actriz a Sally Hawkins y Mejor actor a Richard Jenkins.

“Si nosotros... no hacemos nada, se acabó el nosotros”.
La forma del agua.



lunes, 28 de enero de 2019

“El club de la lucha”.


El club de la lucha (Fight Club en su título original) es una película estadounidense del 1999, dirigida por David Fincher y escrita por Jim Uhls basada en la novela de Chuck Palahniuk. Su elenco está compuesto por Edward Norton, Brad Pitt, Helena Bonham Carter, Jared Leto, Meat Loaf, Van Quattro, Markus Redmond, Michael Girardin, Rachel Singer, Eion Bailey, David Lee Smitch, Zach Grenier, Richmond Arquette, David Andrews Georg Maguire, Eugenie Bondurant, Christina Cabot, Sydney “BigDawg” Colston, Tim DeZarn, Christie Cronenweth, Ezra Buzzington, Dierdre Downing-Jackson, Bob Stephenson, Charlie Dell, Rob Lanza, Holt McCallany y Joel Bissonnette.


Esta es la historia de un joven con insomnio que decide acudir a todo tipo de reuniones de enfermos anónimos para conciliar el sueño. En estas reuniones conoce a Marla Singer, con quien construye una extraña relación con altibajos emocionales. En uno de sus viajes por negocios, supuestamente conoce al vendedor de jabones Tyler Durden, con quien se traslada a vivir poco después. Juntos crean “El Club de la Lucha”, un club en el que varios hombres se reúnen para pelear entre sí por el mero placer de hacerlo. Poco a poco, el club empieza a crecer, y sus actividades van más allá de una simple pelea entre hombres.

A Chuck Palahniuk se le ocurrió la idea de la novela después de ser golpeado en un camping. Palahniuk se quejó del volumen de la radio y recibió un golpe por ello. Cuando regresó a su trabajo se sorprendió porque nadie le preguntó por sus heridas, a partir de ahí quedó fascinado por cómo la sociedad es capaz de bloquear ciertas cosas haciéndolas pasar de forma totalmente desapercibidas a sus ojos.  
Uno de los puntos fuertes de la película es la música. El tema principal es de The Pixies, la canción que escuchamos al final de la película para aportar mayor importancia narrativa es Where is my mind?

Pasamos ahora a conocer algunas curiosidades de la película:
La primera la protagoniza David Fincher, el director. Fincher, quería incluir un frame en el que apareciese Brad Pitt en el logo de la 20th Century Fox, no obstante el departamento legal del estudio no se lo permitió. Más adelante trató de incluir la imagen durante el logo de Regency Enterprises, y en esta ocasión tampoco se le permitió hacerlo.
David Fincher realizó una entrevista para la revista Empire, en la que cuenta que en cada escena de la película aparece una taza de Starbucks. Es curioso que en la escena de la destrucción de la cafetería, tuvieron que cambiarle el nombre, porque la empresa de Starbucks no quiso ver el nombre de su producto destruido.
A Fincher no le gustó en absoluto la forma de publicitar la película. Se centró solamente en la presencia de Brad Pitt en los combates, Fincher consideró que de esa forma la presentaban como una mera película de combates masculinos. La idea del director era centrarse a partir del tema del anti-comercialismo.
Una curiosidad muy graciosa la encontramos en la escena en la que uno de los miembros del club de la lucha vierte agua con una manguera. En ese momento el operador de cámara no podía evitar reír por la situación, y según se cuenta por eso la cámara se mueve un poco.
Otra curiosidad parecida a la anterior la protagoniza Edward Norton. El director le pidió que le enseñara la boca para ver si tenía suficiente sangre en ella. El momento quedó registrado y ese plano se añadió a la película ya que lo consideraron muy original.
Para terminar, existen dos curiosidades más de la mano de los actores. En primer lugar, Brad Pitt, quien según cuenta no quería que sus padres vieran la película. Finalmente terminaron viéndola aunque se arrepintieron de haberlo hecho. Y la otra, la conocemos a través de Helena Bonham Carter. Helena obligó a su maquilladora a maquillarla con la mano izquierda porque consideraba que era lo más idóneo para encarnar a su personaje atribuyéndole un matiz más desordenado.



En 1999 la película fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor diseño de sonido. Más allá de la nominación al Oscar y del reconocimiento por la American Film Institute (AFI), le película no obtuvo muchas más nominaciones ni ganó ningún premio, no obstante es una obra muy admirada por el público y considerada por muchos como cine de culto.




"La primera regla del club de la lucha es: no hables del club de la lucha".
Tyler Durden.
El club de la lucha.




lunes, 21 de enero de 2019

“Réquiem por un sueño”.


Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream en su título original) es una película estadounidense del año 2000, dirigida por Darren Aronofsky, escrita por Darren Aronofsky y Hubert Selby y basada en la novela de Hubert Selby Jr. La película cuenta con un excelente elenco de actores entre los cuales encontramos a: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Jane Sarno, Suzanne Shephrd, Dylan Baker, Keith David y Peter Maloney.
Réquiem por un sueño es una película dramática protagonizada por un joven, Harry Goldfarb, su madre, Sara Goldfarb, y la novia de este, Marion Silver. Harry desea iniciar una nueva vida junto a su novia ayudándola a montar una boutique en la que vender sus diseños. Para conseguir su objetivo, Harry termina entrando en el mundo de la venta de drogas, mientras que Marion comienza a ejercer la prostitución. A su vez la pareja se convierte en una auténtica esclava de las drogas. Por otro lado, Sara está obsesionada con participar en su programa de televisión favorito. Es víctima de una estafa que provoca una fuerte obsesión por adelgazar para salir en el programa, convirtiéndose así en una estrella y obteniendo la admiración de los demás.
A través de esta película conocemos dos facetas distintas de las drogas: Primero con Harry y Marion, quienes se convierten en auténticos adictos llegando hasta el límite a través de la prostitución y la destrucción total de su salud. Y por otro lado a través de Sara, quien empieza a tomar pastillas para adelgazar, llegando al punto de sufrir alucinaciones y a perder totalmente su salud tanto física como mental.
Uno de los puntos fuertes de la película es la música, llevada a cabo de la mano de Clint Mansell. A raíz de una sola melodía, es capaz de mostrar la evolución de los sueños de los personajes durante la película y su destrucción final.
Otro de sus puntos fuertes son las secuencias de transición. Encontramos algunas secuencias que transcurren a cámara rápida, acompañada del tema principal de la película, en las que vemos la evolución del tiempo a través de las historias de Harry, Sara y Marion. No obstante, las secuencias de transición más famosas de la película, son las que protagonizan precisamente el problema principal: las drogas. En estas transiciones la música desaparece por completo para dar lugar solo a la recreación de “el sonido de las drogas”. Encontramos mucha variedad de sonidos en estas transiciones: desde más fuertes a más débiles, hasta sonidos más gruesos y delgados, dependiendo de la droga y de la acción del momento. En la película existe otra secuencia de transición de esta misma tipología, protagonizada por Sara, quien ve a su nevera como una enemiga que le impide adelgazar.
En Réquiem por un sueño podemos encontrar diversas escenas en las que se ha hecho uso de la técnica de la pantalla dividida. Tenemos un ejemplo al principio de la película para mostrar la relación de Harry y su madre, Sara, seguido de otro para mostrar la relación de Harry con su novia, Marion. Este mismo recurso se vuelve a utilizar más adelante para mostrar la batalla personal entre Sara y su nevera.



El personaje de Harry Goldfarb es interpretado por Jared Leto, quien tuvo que perder unos 11kg para adaptarse a él. Harry es el perfecto ejemplo de cómo las drogas destruyen poco a poco la vida de quienes las consumen y/o las venden. El final de este personaje es el más dramático y triste de todos.



Conocemos al personaje de Marion Silver de la mano de Jennifer Connelly, quien se encargó de gran parte del vestuario de su personaje aprovechando que había sido diseñadora. A raíz de este personaje conocemos como muchas mujeres terminan siendo víctimas de la prostitución forzada por su adicción a las drogas.



Ellen Burstyn encarna al personaje de Sara Goldfarb, la madre de Harry. La actriz tuvo que utilizar cuatro cuellos prostéticos, dos trajes para aparentar mayor peso y hasta nueve pelucas diferentes para interpretar a su personaje. A través de ella conocemos la desesperación de una mujer por perder peso, y como ciertos medicamentos para adelgazar se convierten en auténticas drogas. Una anécdota cuenta que, durante el rodaje, el director de fotografía dejó de enfocarla porque se conmovió con su monólogo acerca de la vejez y la soledad. El excelente trabajo de Ellen fue reconocido con muchas nominaciones a diversos premios cinematográficos, no obstante Ellen no ganó ninguno de ellos por su papel como Sara Goldfarb.

     Pasamos ahora a conocer algunas curiosidades de esta película:
     La primera la protagonizan los cameos: con la aparición del padre del director, Darren Aronofsky, en la escena del tren, de su madre como una de las amigas de Sara, y del autor de la novela Requiem for a dream,  Hubert Selby, como el policía en la escena de la cárcel.
     La segunda curiosidad se centra en el rodaje de la película. El director, Darren Aronofsky, quería que la conversación telefónica entre Harry y Marion fuese lo más realista posible, por lo que mandó construir dos localizaciones distintas en el mismo plató y utilizar teléfonos reales para grabar la escena de forma simultánea.
     La aparición de las naranjas en la película justo antes del tiroteo es una forma típica de predecir que algo malo va a pasar. Este recurso se ha utilizado en algunas películas de hollywoodienses como El Padrino.
     Y finalmente, la última curiosidad, la protagoniza la compra que tuvo que hacer el director de los derechos de la película de animación japonesa Perfect Blue. A partir de estos derechos realizó un remake de una sola secuencia para Réquiem por un sueño. Se trata de la escena en la que aparece Marion dentro de una bañera, hunde la cabeza bajo el agua y grita.



   En el año 2000, Requiem por un sueño fue obtuvo una nominación al Oscar a Mejor actriz para Ellen Burstyn, quien interpreta a Sara en la película. Ellen también fue nominada al Globo de Oro en esta misma categoría. La película ganó la Espiga de Oro, obtuvo el Premio especial a la excelencia en dirección para Darren Aronofsky a través de la National Board of Review (NBR) y fue considerada una d las mejores películas del año por la American Film Institute (AFI). El Círculo de Críticos de Nueva York también reconoció el excelente trabajo de Ellen Burstyn nominándola a Mejor actriz secundaria, al igual que la Asociación de Críticos de Chicago con sus dos nominaciones. Requiem por un sueño obtuvo hasta cinco nominaciones a través de la Independent Spirit, para la actriz, Ellen Burstyn, y para el director de fotografía, Matthew Libatique. Por su parte, el Sindicato de Actores (SAG) tampoco se olvidó de nominar a Ellen Burstyn a Mejor actriz.  

“Te quiero Harry, me haces sentir como una persona. Como yo misma y que soy hermosa”.
Marion Silver.
Réquiem por un sueño.

“Creo que alguien como tu haría que las cosas cambiaran para mí”.
Harry Goldfarb.
Réquiem por un sueño.

“Estoy sola, tu padre ya no está, tú no estás. No tengo a nadie a quien cuidar, ¿qué se supone que tengo que hacer, Harry? Estoy sola y soy vieja”.
Sara Goldfarb.
Réquiem por un sueño.