“La Odisea de Nolan, una reescritura ideológica”.

 

     Desde que comenzaron a conocerse los primeros detalles de La Odisea de Christopher Nolan, las redes sociales se han encendido en llamas llenado de debates, ¿y cómo no?, de memes. Uno de los aspectos más comentados ha sido la elección de algunos miembros del reparto para interpretar personajes descritos de forma muy diferente en la obra de Homero.

     Como si de una obra de Shakespeare ubicada en Verona se tratara, ya se han formado dos bandos muy claros: los que defienden que no se trata de una adaptación de Homero sino de una visión personal de Nolan cual Capulletos; y los que defendemos que se trata de una reescritura ideológica para agradar y obtener beneficio independientemente de que sea o no un escándalo cual Montescos.

 

     Adaptar no es reescribir…

   Toda adaptación implica cambios, eso es cierto. Resulta imposible trasladar una obra escrita hace casi tres mil años al cine sin modificar ritmos, escenas o incluso personajes secundarios. Eso forma parte del proceso creativo.

     Pero una cosa es adaptar y otra muy distinta es alterar aspectos esenciales de una obra hasta el punto de convertirla en algo diferente.

     Si una película sigue llamándose La Odisea, mantiene a Odiseo, Penélope, Telémaco, Sinón y el resto de personajes, sigue narrando el regreso del héroe a Ítaca y continúa presentándose como una versión del poema de Homero, cuesta sostener que ya no tenga ninguna obligación de respetar el material original.

 

    Una polémica que no deja de crecer…

    Las dudas sobre la fidelidad al clásico no se limitan a un único personaje. Desde que se anunció  el reparto han surgido varias decisiones que han dividido al público.

     Una de las más comentadas ha sido la elección de la actriz que interpretará a Helena de Troya, tradicionalmente descrita en la mitología como una chica rubia de piel muy clara. Helena es reconocida popularmente como la mujer cuya extraordinaria belleza desencadenó la guerra de Troya. La actriz escogida para el papel es Lupita Nyong´o, una actriz de Kenia y México de piel y cabello oscuros. Además Nolan ha optado por hacer que la cara de la actriz se viese con ciertas deformidades impostadas a propósito como si de una burla a la guerra de Troya en se tratase. A ello se suma el hecho de que esta misma actriz también interpretará a Clitemnestra, la hermana de Helena. Aunque ambas eran hermanas en la mitología griega, nunca fueron gemelas ni aparecen descritas como físicamente idénticas. Por eso resulta extraña la decisión de asignar ambos papeles a una misma intérprete. Tratándose de Christopher Nolan no creo que le hubiese costado tanta parte del presupuesto contratar a una actriz más, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de la hermana de una de las protagonistas.

    La otra elección polémica, que a día de hoy creo que ha eclipsado a la de Lupita por muchas papeletas que tenía de destacar, es la elección del actor Elliot Page como Sinón. Personalmente no creo que el problema venga del hecho de que sea un hombre transexual. Que en otra vida Elliot Page fuese Ellen Page, está lejos de ser la causa de la discordia. El debate proviene más bien porque el físico del actor no encaja con el de un guerrero griego porque hablamos de un actor de baja estatura y desprovisto de la musculatura propia de un guerrero griego. La belleza masculina era muy importante para los griegos, especialmente en los poemas épicos.  Por eso sus soldados siempre han sido descritos como hombres fuertes y a menudo hermosos. La hermosura de uno me parece una elección muy personal, pero si algo es evidente es que este chico, independientemente de que sea o no trans, no tiene la musculatura que debería de tener.

    Mucha gente opina que las elecciones de Lupita y Elliot, corresponde más bien a una política de representación característica de Hollywood actual más que a criterios de fidelidad al texto.

 

     ¿Una reinterpretación o una reescritura?...

     En mi opinión, no estamos simplemente ante una reinterpretación artística.

     Lo que veo es una tendencia cada vez más habitual en Hollywood: tomar una obra clásica y modificar determinados elementos para ajustarlos a sensibilidades e intereses contemporáneos.

     No se está creando una historia nueva inspirada en La Odisea, sino que se está utilizando el prestigio y el reconocimiento de un clásico mientras se cambian aspectos que forman parte de su identidad.

     Personalmente, creo que si un creador quiere contar una historia distinta, tiene toda la libertad para hacerlo. Solo cuesta entender por qué lo hace utilizando l nombre de una obra ya existente.

 

     ¿Dónde está Grecia?...

     Otro aspecto que me llama especialmente la atención es la ausencia de actores griegos en una producción basada en uno de los mayores símbolos de la literatura griega.

   En los últimos años hemos visto cómo Hollywood ha puesto un gran énfasis en la representación cultural y en la importancia de que determinadas historias sean interpretadas por actores vinculados a la cultura que representan. Sin embargo, en este caso resulta llamativo que una adaptación de uno de los textos más importantes de la antigua Grecia no cuente con intérpretes griegos en los papeles principales. Y no es precisamente por falta de ellos sino mira todas las producciones de Mi gran boda griega (2002, 2016 y 2022).

     No creo que la nacionalidad de un actor determine su talento. Además está bien interpretar a personajes de otra nacionalidad o género porque es un reto actoral importante. Pero esto sí que me está pareciendo una contradicción teniendo en cuenta el discurso que la propia industria ha defendido durante años en otras producciones.

     A ello se suma otro detalle que muchos aficionados también han señalado: escuchar un marcado acento estadounidense en personajes de la mitología griega rompe, para algunos espectadores, la inmersión en una historia que pertenece a un contexto histórico y cultural completamente diferente.

     El peso de Hollywood…

   También da la impresión de que muchas de estas decisiones responden menos a necesidades narrativas que a una determinada línea de producción dominante en la industria.

      Es una percepción que comparten muchos aficionados: cuanto más se ajusta una película a determinadas tendencias ideológicas o de representación que hoy tienen peso en Hollywood, más posibilidades parece tener de ganar visibilidad en festivales, obtener nominaciones o aspirar a premios importantes.

    Esa es, al menos, mi impresión. No puedo afirmar que sea la razón detrás de cada decisión de casting, pero sí considero legítimo preguntarse hasta qué punto ciertos criterios externos están influyendo en la manera de adaptar obras clásicas.

 

     El verdadero problema…

     Lo que más me preocupa no es que exista una versión distinta de La Odisea. Siempre habrá espacio para nuevas lecturas de los clásicos, claro que sí. El problema aparece cuando esas nuevas versiones terminan sustituyendo en el imaginario colectivo a la obra original. Muchos espectadores conocerán La Odisea únicamente a través de esta película y asumirán que esa representación refleja fielmente el texto de Homero, cuando probablemente no sea así.

     Los clásicos han sobrevivido miles de años precisamente porque poseen un enorme valor literario e histórico. Modificarlos profundamente para adaptarlos a los criterios actuales puede hacer que perdamos parte de lo que los convirtió en obras universales.

 

     Conclusión…

     Christopher Nolan es, sin duda, uno de los directores más talentosos de nuestro tiempo, y seguramente La Odisea será un espectáculo cinematográfico impresionante desde el punto de vista técnico y visual. Pero en cuanto a narrativa y adaptación, ahí la cosa cojea.

     En mi caso, sigo pensando que cuando una obra lleva el nombre de un clásico debería respetar su esencia. Adaptar no significa copiar palabra por palabra, ni tampoco recitar los versos tal cual a lo Laurence Olivier interpretando a Ricardo III. Y no lo digo solo por decir, creo que mi especialidad en adaptación narrativa de obras de teatro me da cierto derecho a pesar de que mis estudios se centraron principalmente en Shakespeare. Pero también he leído obras clásicas y estudiado griego por si eso sirve como añadido. Por esos motivos considero que, más allá de ser cinéfila, como persona que ha recibido una formación cinematográfica en la universidad, tengo algo que decir.

     Pero tampoco debería convertirse en una reescritura que altere elementos fundamentales del original. Si el objetivo es contar una historia diferente, quizá la mejor opción sería crear una nueva, en lugar de modificar una que ya ha resistido el paso de los siglos.

 

 

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¿Por qué algunas películas se convierten en clásicos y otras caen en el olvido?

¡Bienvenidos a mi post número 190!

   Cada año se estrenan cientos de películas. Algunas arrasan en taquilla durante unas semanas y después desaparecen de la conversación. Otras, en cambio, siguen siendo recomendadas, analizadas y revisitadas incluso décadas después de su estreno. ¿Pero por qué sucede esto? ¿Qué hace que una película se convierta en un clásico?

 

     En primer lugar… No depende solo del éxito.

    Existe la idea de que una película muy taquillera está destinada a convertirse en un clásico, pero la historia demuestra que no siempre es así. Muchas producciones que recaudaron millones apenas se recuerdan unos años después, mientras que otras que fueron un fracaso en su estreno acabaron ganando prestigio con el tiempo. Lo cierto es que el éxito comercial y el legado cultural no siempre van de la mano.

 

     En segundo lugar… Personajes que dejan huella.

   Uno de los elementos que más contribuye a la permanencia de una película son sus personajes. Cuando el público conecta emocionalmente con ellos, la historia permanece viva mucho después de que aparezcan los créditos finales.

   Los mejores personajes tienen virtudes, defectos, miedos y sueños que los percibamos como a seres humanos reales. No importa si viven en un mundo de fantasía porque para nosotros no hay nada más humano que todas estas características.

 

 

     En tercer lugar… Frases e imágenes inolvidables.

    Hay escenas que forman parte de la memoria colectiva. A veces basta una imagen (como en 2001 odiosea en el espacio (1968)), una melodía (como en Parque Jurásico (1993) ó Encuentros en la tercera fase (1977)) o una frase (como en Forrest Gump (1994)) para reconocer una película al instante.

Estas secuencias terminan trascendiendo el propio filme y se convierten en referencias culturales utilizadas en otros medios, redes sociales o conversaciones cotidianas.

 

     En cuarto lugar… La capacidad de emocionar.

   Las modas cambian y la  tecnología avanza. Los efectos especiales sufren también este tipo de cambios.

Sin embargo, una buena historia sigue funcionando porque las emociones humanas apenas cambian. Siempre son las mismas. El miedo, la alegría, la esperanza o la tristeza son universales y hacen que una película pueda seguir emocionando a espectadores de distintas generaciones. Sin importar los escenarios ni los efectos, no hay nada más puro e invariable que nuestras emociones humanas.

 

     En quinto lugar… Cada generación descubre sus propios clásicos.

   Lo interesante del cine es que los clásicos no son una lista cerrada. Cada generación encuentra películas con las que se identifica y que considera imprescindibles.

Con el paso del tiempo, algunas desaparecen del recuerdo, mientras que otras continúan encontrando nuevos espectadores que las mantienen vivas.

 

     En conclusión

    Una película se convierte en un clásico cuando consigue trascender su época. No importa únicamente cuánto dinero recaude o cuántos premios obtenga, sino su capacidad para seguir emocionando, inspirando y despertando conversaciones años después de su estreno.

    Al final, los verdaderos clásicos no pertenecen a una generación sino a todas y a las que están por venir.

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"Quién debería interpretarar a los personajes trans".

(ESTE ARTÍCULO SE ENCUENTRA EN PROCESO DE CREACIÓN. DISCULPEN LAS MOLESTIAS). 

“El exorcista, un rodaje maldito”.

 

     En el artículo de hoy retomamos el especial de Halloween sobre El exorcista donde lo dejamos. La semana pasada hablamos de su estrategia de marketing. Hoy vamos a ponernos más serios y a subir un poco de nivel hablando acerca de los accidentes y leyendas que le valieron el título de película maldita.

     La atmósfera oscura de la película no se quedó solo en la pantalla puesto que el rodaje estuvo rodeado de accidentes y sucesos extraños que contribuyeron a la leyenda negra. Vamos ahora a repasarlos todos.

.1- Un incendio en el set: Gran parte del decorado principal, la casa de los MacNeil para ser más concretos, ardió en un misterioso incendio. Lo inquietante es que la habitación de Regan, la niña poseída, donde suceden las escenas más escalofriantes de la película, se quedó completamente intacta.

.2- Muertes cercanas: Durante la filmación y poco después del estreno fallecieron varios actores secundarios y familiares del equipo. Entre ellos Jack MacGowran (Burke Dennings en la película) y Vasiliki Maliaros (la madre del padre Karras en la peli).

.3- Lesiones de los actores: Ellen Bursty, quien interpreta a Chris, la madre de la niña, sufrió una lesión de espalda permanente en la escena en que es lanzada contra la pared. Linda Blair, Regan en la película (la niña poseída) también se lastimó durante las escenas de levitación y convulsiones.

.4- El exorcista real: Dada la cantidad de desgracias, el director William Friedkin aceptó que un sacerdote católico bendijera el set.

.5- El aura de lo inexplicable: La suma de incendios, muertes y accidentes hizo que tanto la prensa como el público hablaran de un rodaje “maldito”, reforzando el miedo y el mito de la película.

     El marketing de la película del cual hablamos la semana pasada y todos estos sucesos que la califican como rodaje maldito, no son más que las bases que sientan la película más terrorífica de todos los tiempos de la que hablaremos mejor en el próximo artículo.

 

“El exorcista y su marketing de miedo”.

    Con el artículo de hoy abrimos el primer post de una tanda de redacciones acerca de la película de El exorcista. Lo cierto es que hace años que quiero escribir sobre esta película para el especial del Halloween den blog y he decidido no posponerlo durante más tiempo. Es más, en lugar de presentaros solo un artículo hablando sobre esta película, os estoy preparando tres artículos acerca de esta mítica película.

    Comenzaremos hablando de su campaña de marketing y cuando el escándalo y el miedo venden.

    Cuando El exorcista se estrenó en 1973 y Warner Bros sabía que tenía entre manos algo distinto, algo diferente que no se había visto hasta la fecha. La película no solo se vendió como una historia de terror más porque ya desde un principio se dijo que era como una experiencia física y psicológica con la que el espectador iba a sufrir.

   En primer lugar se usaron los rumores como estrategia. La película aún no se había estrenado y ya se hablaba de gente que de desmayaba en los cines, que vomitaba sobre las butacas y de espectadores que directamente salían de la sala gritando y corriendo despavoridos como alma que lleva el diablo. Incluso se habló de ambulancias instaladas en las puertas de las salas de cine. De ser eso cierto (que no tenemos pruebas ni para afirmarlo ni para desmentirlo), cualquier productora se abría esforzado por ocultarlo. Pero no, Warner decidido alimentar más al monstruo expandiendo estos rumores.

    La polémica religiosa estaba asegurada desde un principio. Y es que las salas de cine se llenaron hasta los topes tras su estreno. Para colmo, muchas ciudades se llenaron de autoridades religiosas y grupos religiosos extremistas que intentaron boicotear la producción. Por supuesto, y como era de esperar (me imagino que la productora lo sabría) esto no hizo más que alentar a los espectadores a acercarse a las salas de cine para ver la película de la polémica.

    El tráiler también resultó polémico. El tráiler original se hizo con imágenes intermitentes en blanco  negro, acompañado con música inquietante. Este se retiró porque provocaba malestar, por eso, ante la prohibición, los espectadores se interesaron más por él.

Por aquí te dejo el tráiler prohibido de El Exorcista:

 

     El título de Película maldita. Por supuesto, y como era de esperar, la prensa no tardó en referirse a El Exorcista como una película maldita. No tardaron en relacionarla con rumores de accidentes y muertes en el rodaje.

   De ese modo El exorcista no tardó nada en pasar de ser una película más de terror, a convertirse en todo un evento social. El marketing del miedo y todos los rumores acerca del rodaje maldito ayudaron a alimentar y a consolidar la leyenda.

   Ya hemos hablado del marketing de la película, de modo que en el artículo de la semana que viene os hablaré sobre estos rumores de accidentes y muertes en el set. Y finalmente, el día 31, celebraremos Halloween con un artículo de lo más completo acerca de esta película.

¡Feliz Halloween!

 

“Especial 7 años”.

¡#RetratosdeCine cumple 7 años!

   Ha llegado septiembre y con este el aniversario del blog. El pasado 17 de septiembre Retratos de cine cumplió ya la friolera de siete años. Y para celebrarlo he escrito un par de posts que se salen un poco de lo habitual. ¡Ahí te los dejo!

La evolución de los efectos especiales en el cine:

 

Estereotipos creados y rotos por el cine:

 

¡Espero que te gusten! ¡No te pierdas tampoco mis recomendaciones!

Especial 1 año:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2019/09/especial-1-ano.html

Especial 2 años:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/10/especial-2-anos.html

Especial 3 años:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2021/09/especial-3-anos.html

Especial 4 año:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2022/09/especial-4-anos.html

Especial 5 años:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2023/09/el-estilo-de-tim-burton-especial-5-anos.html

Especial 6 años:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2024/09/especial-6-anos_0997598680.html

“La evolución de los efectos especiales en el cine”.

    Si el cine puede hacer magia es gracias a los efectos especiales. Estos permiten ampliar horizontes, sorprender al espectador y enriquecer la narración. Su evolución, a lo largo de más de un siglo, refleja tanto el avance tecnológico como la capacidad de los guionistas y directores de contar historias con imágenes.

Los orígenes… 

   Todo comenzó con la gran olvidada, la directora de cine Alice Guy. Nacida en Francia desarrolló su carrera como cineasta en Estados Unidos, convirtiéndose así en la inventora del cine más poco reconocida de la historia debido a su condición de mujer. Fascinada por la invención del cinematógrafo de los hermanos Lumière, Alice comenzó a experimentar con todo tipo de trucos y efectos especiales, tales como: el corte y sustitución conocido como stop trick, la aceleración y ralentización de la acción, sobreimpresiones y exposición múltiple, pintado y coloreado a mano del celuloide y los efectos cómicos con el montaje. Su película más destacada donde comenzó a realizar todos estos experimentos es El hada de los repollos (1986).

   Otro gran olvidado es el director de cine Segundo de Chomón. En este caso, un gran olvidado debido a su condición de español (porque sí, porque ya sabemos que a los pioneros y grandes inventos españoles siempre se les echa atrás hasta tal punto de, en la mayoría de ocasiones, caer en el olvido). Chomón solía utilizar los siguientes trucos: stop motion, truco de sustitución o corte mágico, tintado y coloreado a mano del celuloide, sobreimpresiones y exposiciones múltiples, travelling y movimientos de cámara innovadores y la creación de maquetas y miniaturas. Su película más destacada es El hotel eléctrico (1908).

   Al que sí que conoce todo el mundo, y el primero que viene a la mente de cualquiera cuando se habla de los orígenes de los efectos especiales en el mundo del cine, es al francés Georges Méliès. Destacó por sus actuaciones de mago ante las cámaras utilizando técnicas como la sobreimpresión, la exposición múltiple, el corte y la sustitución. Méliès fue todo un creador de ilusiones. Su película más famosa fue Viaje a la Luna (1902). Esta película, como ya sabrás, es la que da vida y le proporciona una cara al logotipo de este blog. Retratos de cine es una mezcla entre Viaje a la Luna de Méliès y la Mona Lisa de Da Vinci.

     

El Hollywood clásico… 

     Durante las décadas comprendidas entre 1930 y 1950, el cine hollywoodiense perfeccionó muchísimo los efectos especiales. Las grandes producciones usaban maquetas y pinturas sobre cristal (matte paintings) para recrear todo tipo de escenarios imposibles. Un buen ejemplo de esto es King King (1933), donde la animación en stop motion de Willis O´Brien dio vida al mítico gorila gigante. Otro ejemplo es Ben-Hur (1959) con sus elaboradas escenas de acción con decorados realmente colosales.

De lo que no se habla nunca es de la participación de artistas falleros en el departamento de dirección artística para construir estos grandes decorados. Tenemos películas que son un claro ejemplo de ello como: Lawrence de Arabia (1962), 55 días en Pekín (1963) y La caída del imperio romano (1964).

 

La era dorada de los efectos prácticos tuvo lugar entre los 70s y 80s…

    Con el auge de la ciencia ficción y el terror, llegaron innovaciones decisivas. Star Wars (1977) revolucionó el cine con maquetas detalladas, técnicas de motion control y todo tipo de efectos ópticos. Al mismo tiempo, directores como John Carpenter o Ridley Scott aprovecharon maquillajes prostéticos y animatrónicos para dar vida a criaturas memorables como el xenomorfo de Alien (1979) o La Cosa (1982).

 

La revolución digital de los 90…

     El gran salto llegó con el CGI (imágenes generadas por ordenador). Un buen ejemplo es Terminator 2 (1991), que sorprendió con el T-1000 líquido. Y por supuesto también la mítica Jurassic Park (1993), que mostró dinosaurios hiperrealistas que mezclaban animatrónica y gráficos digitales. Por primera vez, los efectos digitales no solo complementaban, sino que lideraban el espectáculo visual.

 

El presente: realismo digital y nuevas tecnologías…

    Hoy en día, la mayoría de superproducciones se apoyan en pantallas verdes, CGI y utilizan la técnica de captura de movimiento. Un buen ejemplo es la revolucionaria Avatar (2009), que llevó la técnica a un nuevo nivel con mundos y criaturas generadas por ordenador. Además, su secuela potenció el uso de entornos submarinos digitales. Sin embargo, el público también valora cuando se combinan efectos digitales con efectos prácticos, como en Mad Max: Fury Road (2015), donde se usó explosiones y persecuciones reales potenciadas con retoques digitales.

 

El futuro: Realidad virtual e inteligencia artificial…

   Sin lugar a dudas el camino que viene apunta a la integración de realidad aumentada, entornos virtuales e inteligencia artificial en la producción cinematográfica. Ya se están empezando a utilizar escenarios virtuales en lugar de chroma, lo que permite rodar escenas inmersivas en tiempo real. La línea que separa lo real de lo digital está cada vez más difusa.

     En conclusión, no me cabe duda de que los efectos especiales han convertido al cine en toda una máquina de creación de sueños y mundos fantásticos. Empezando por las ilusiones visuales, pasando por el despliegue tecnológico capaz de materializar lo imposible a este avanzado futuro con escenarios inmersivos e inteligencia artificial. No obstante la esencia siempre será la misma: sorprender al espectador contando historias que trascienden a la realidad.

 

    Por aquí te dejo un recorrido rápido de su evolución…

   Los efectos especiales han cambiado la forma de contar historias en la gran pantalla. De simples trucos de cámara a mundos digitales enteros, este es un recorrido rápido por su evolución:

📽️ 1900s – Los orígenes mágicos:

·         Alice Guy so

-Ejemplo:

·         Segundo de Chomón so

-Ejemplo:

·         Georges Méliès sorprende con cortes de cámara, exposiciones múltiples y sobreimpresiones.

-Ejemplo: Viaje a la Luna (1902).

 

🏛️ 1930s-50s – Maquetas y stop motion:

·         Se popularizan las maquetas y los matte paintings (pinturas sobre cristal).

-Ejemplo: King Kong (1933) con animación en stop motion.

 

🚀 1970s-80s – La era dorada de los efectos prácticos:

·         Star Wars revoluciona con miniaturas y motion control.

-Ejemplo: Maquillajes y elementos animatrónicos impresionan en Alien (1979) y La Cosa (1982).

 

💻 1990s – La llegada del CGI:

·         Terminator 2 (1991): el T-1000 líquido.

·         Jurassic Park (1993): dinosaurios hiperrealistas que combinan animatrónica y CGI.

 

🌍 2000s-2010s – El dominio digital:

·         Avatar (2009) lleva la captura de movimiento y los entornos digitales al siguiente nivel.

·         El Señor de los Anillos (2001-2003): Gollum, un icono del motion capture.

 

🔮 Presente y futuro:

·         Mad Max: Fury Road (2015) combina explosiones reales con retoques digitales.

·         The Mandalorian (2019–) usa escenarios virtuales con tecnología LED en tiempo real.

·         Próximo paso: realidad aumentada e inteligencia artificial.