“El hombre que mató a Don Quijote”.

     La semana pasada hablamos del documental de Terry Gilliam Perdidos en la Mancha (https://blogretratosdecine.blogspot.com/2021/01/perdidos-en-la-mancha.html).  En él nos mostraba los intentos fallidos de Gilliam por rodar una película sobre Don Quijote. Más de quince años después, tras mucho retomar y aparcar este proyecto que ya parecía estar maldito tras sus ocho intentos, al final Terry consiguió terminar su película y estrenarla en el festival de Cannes el 19 de mayo de 2018. Hoy hablaremos de esta película.

    El hombre que mató a Don Quijote (The Man Who Killed Don Quixote en su título original) es una película del Reino Unido de 2018. La película fue dirigida por Terry Gilliam, como ya hemos mencionado, y escrita por el propio Gilliam junto con Tony Grisoni. Roque Baños fue el encargado de la música y Nicola Pecorini fue quien se ocupó de la fotografía. Está película no es solo del Reino Unido sino que está coproducida con España y Estados Unidos. Entre el elenco de actores que la conforman podemos encontrar a: Adam Driver, Jonathan Pryce, Olga Kurylenko, Stellan Skarsgard, Joana Ribeiro, Óscar Jaenada, Jordi Mollà, Jason Watkins, Paloma Bloyd, Rossy de Palma, Sergy López, Mario Tardón, Joe Manjón, Bruno Sevilla, Patrik Karlson, Viveka Rytzner, Lídia Franco, Maria d´Aires, Juan López-Tagle y Jummy Castro. La única lástima es que Johnny Deep ya no haya participado en este octavo y al fin acertado intento. Aunque ya hacía tiempo que se había descargado por cuestiones de agenda. 

   La película nos cuenta la historia de un director de cine llamado Toby Grummett. Un zapatero español, motivado por la película de Don Quijote que está rodando Toby, empieza a creer que es de verdad el gran Don Quijote de la Mancha. El zapatero prácticamente obliga a Toby a ir con él, llevándolo como su Sancho Panza, para vivir juntos aventuras de lo más locas. A partir de ahí Toby empezará a tener serios problemas para distinguir la realidad de la ficción. Además. Deberá enfrentarse y reconciliarse con su pasado ya que esta no es la primera vez que rueda una película sobre Don Quijote. Cuando era un joven estudiante rodó una película de bajo presupuesto sobre Don Quijote, esta película le perseguirá ya que se encontrará con algunas de las personas que colaboraron en ella, incluido un viejo amor del pasado.

   Como ya sabéis siempre que hablo de una película me gusta destacar algunas de sus curiosidades. Desgraciadamente, en este caso no he encontrado ningún tipo de documentación interesante más allá de los muchos intentos por producirla que tan bien conocemos ya. De modo que he pensado que lo mejor sería resaltar algunos de los aspectos que más me han llamado la atención de la película. 

    El hombre que mató a Don Quijote no es exactamente la película que me esperaba, tal vez porque imaginaba que iba a ser una réplica más o menos exacta de la idea que tenía Terry Gilliam de la misma. Gilliam es un director con las cosas muy claras, y ya sean fáciles o difíciles de conseguir las persigue hasta el final. Ya desde un primer momento tenía las ideas tan claras sobre la concepción de esta película, que no imaginaba una readaptación del guión tan estricta. 

   El cambio principal, probablemente a mejor, se produce con el personaje de Toby, el protagonista, quien pasa de ser un ejecutivo de publicidad a un director de cine. Me gusta este cambio porque el nuevo Toby me recuerda al propio Gilliam, con sus momentos de frustración e inseguridad, tratando de hacer posible su dificultosa película sobre Don Quijote. Al igual que él, Toby no deja de encontrarse con trabas y más trabas, lo que nos recuerda al documental Perdidos en la Mancha. Este es un punto bastante interesante y que personalmente me ha gustado mucho. Otro de los cambios con respecto al personaje de Toby, es el de substituir a Johnny Deep por Adam Driver como protagonista. Personalmente me hubiera gustado ver a Johnny (sobre todo al Johnny de hace 20 años que se presentaba en el documental) en el papel, a pesar de que Adam Driver nos presenta una actuación impecable al interpretar a Toby. 

    Además el papel que en su día fue de Jean Rochefort fue pasando por distintos actores. Tras Jean Rochefort fue de Robert Duvall, de John Hurt,  y posteriormente de Michael Palin hasta que finalmente pasó a ser de Jonathan Pryce. Seguramente ya conozcáis a Pryce por su papel como el malvado Gorrión Supremo (líder de una secta religiosa) en la afamada serie Juego de Tronos. 

     El papel de Dulcinea en un principio iba a ser para Vanessa Paradis, pero tras esos más de quince años de hacer y deshacer finalmente ha recaído en la actriz portuguesa Joana Ribeiro. Y en lugar de tener una trama amorosa vinculada a Don Quijote, esta trama se vincula a Toby (Sancho Panza según Don Quijote). Se presenta como una actriz frustrada, motivada por Toby en el pasado, que ha terminado cayendo en el mundo de la prostitución. Finalmente, cuando Toby empieza a convertirse en una especie de “Don Quijote”, esta Dulcinea llamada Angelica termina convirtiéndose, de algún modo, en su Sancho Panza. También le da un toque muy moderno ver a una mujer vestida como lo haría Sancho Panza. 

    Por otra parte, se nota en el vocabulario de los personajes, y en el uso tan cuidado de los efectos especiales, que el nuevo guión ha sabido adaptarse a la época actual. Esto era algo que no esperaba porque la imaginaba más fiel a la idea primigenia, pero creo que se ha hecho muy bien. Es posible que estos cambios incluso hayan ayudado a definir mejor a los personajes.

    La fotografía de la película, los tiros de cámara y esos planos tan bien definidos me han gustado. Especialmente lo que a mí me ha parecido una referencia más al primer intento de rodar la película: el uso de gigantes hechos con maquetas como parte del atrezzo. Aunque actualmente reina la tecnología digital, años atrás se había trabajado principalmente con maquetas. 

 

    El hombre que mató a Don Quijote es una película imprevisible, lo cual está bien. Esto se nota más si has visto el documental y/o seguido un poco la trayectoria y los intentos fallidos de Terry Gilliam por rodar la película, por todos los cambios y actualizaciones que se le han dado. 

    Para mí lo mejor de la película es que se han introducido sutilmente escenas rodadas del primer intento de hacer la película. Gracias a estas podemos ver las escenas de Jean Rochefort como Don Quijote, lo cual resulta muy nostálgico. También es una forma de presentar un trabajo ya hecho y de mucho valor para no perderlo. Aunque sigo echando en falta las escenas de Johnny Deep que, en este caso, con el cambio de actor, no era precisamente posible incorporarlas pero me gustaría que hubiese la manera de verlas de algún modo porque ya en el documental me parecía un material muy bueno. 

  Y como siempre, con un repaso del reconocimiento y la trascendencia de la película, terminamos este post. En 2018 El hombre que mató a Don Quijote fue nominada por los Premios Platino en la categoría de Mejor dirección artística. La película también fue nominada a los Goya en las categorías de Mejor dirección de arte y Mejor vestuario. Finalmente se llevó los Goyas a Mejor dirección de producción y Mejor maquillaje y peluquería. 

“Siempre supe que eras más que Sancho”.

Don Quijote.

“El hombre que mató a Don Quijote”.

Te recomiendo también mi post sobre Big:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/11/big.html

Mi post sobre Eduardo Manostijeras:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/12/eduardo-manostijeras.html

Mi post sobre Los posts más visitados desde septiembre de 2018 hasta diciembre de 2020:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/12/los-posts-mas-visitados-desde.html

Mi post sobre 62 bandas sonoras increíbles:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/01/62-bandas-sonoras-increibles.html

Mi post sobre Un monstruo viene a verme:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2019/11/un-monstruo-viene-verme.html

Mi post sobre Recopilatorio de oficios cinematográficos 2020:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/11/recopilatorio-de-oficios.html

Y finalmente también mi post sobre ¿en qué consiste el trabajo de un guionista?:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/09/en-que-consiste-el-trabajo-de-un_30.html

“Perdidos en la Mancha”.

   Este documental Perdidos en la Mancha (Lost in la Mancha en su título original) narra las peripecias y los intentos fallidos del director de cine Terry Gilliam, cuando intentó llevar a la gran pantalla al mismísimo Donde Quijote de la Mancha. El nombre de la película iba a ser: El Hombre que mató a Don Quijote.

    La idea del documental era hacer un making of del rodaje, pero terminó siendo más bien un intento de making of. Es una costumbre en Gilliam el tener a gente documentando sus rodajes para poder supervisar y corregir posibles errores. 

    El intento de rodaje de esta ambiciosa película tuvo lugar en tierras de Don Quijote: en España, y más concretamente en Navarra.

    La producción de la película comenzó en el año 1998 con un presupuesto de 32 millones de dólares. La idea era contar con 40 millones pero Hollywood se negó a financiarla, probablemente porque no estaban muy contentos con el trabajo que había hecho Gilliam en la película Las aventuras del barón de Munchausen. En el año 2000 empezó a rodarse El Hombre que mató a Don Quijote, momento en el que comenzaron también los problemas que obligaron a su director a suspender el rodaje de la que siempre ha considerado “la película de su vida”. 

    Según la trama de la película, Toby Grisoni, un ejecutivo de publicidad, viaja en el tiempo desde el Londres actual hasta La Mancha del siglo XVII donde se encuentra con Don Quijote. El personaje de Sancho Panza aparecería tan solo al principio de la película, porque cuando Toby viaja al pasado, Don Quijote lo confunde con Sancho y se lo lleva consigo para vivir aventuras.

    En el documental conocemos a un particular Gilliam de imaginación desbordante. Intenta llevar a cabo un proyecto magnífico a la altura de las producciones hollywoodienses con un presupuesto muy limitado. Gilliam tiene muy claro lo que quiere, y lucha por ello a pesar de las limitaciones técnicas, económicas, y a que parece prácticamente imposible reunir a los tres actores principales en un mismo lugar y día para hacer una lectura de guión.

    El reparto estaba compuesto por Jean Rochefort como Don Quijote (como vemos en el documental este actor de nacionalidad francesa tuvo que pasar siete meses estudiando inglés), Johnny Deep en el papel de Toby Grisoni, y Vanessa Paradis como Dulcinea. Además se le iba a añadir la narración de Jeff Bridges. También tenían la intención de incorporar al elenco a: Miranda Richardson, Christopher Eccleston, Bill Paterson, Rossy de Palma, Jonathan Pryce y Peter Vaughan (actores que no llegaron a rodar nada).

    Cuando fueron a ver uno de los emplazamientos cerrados del rodaje, Terry se desilusionó al ver que en lugar de rodar en un plató le habían dejado nada más y nada menos que un almacén (momento que podemos ver en documental). Esto le desilusionó ya que no podía trabajar bien con el sonido del lugar. 

     Empezaron a grabar en una zona prácticamente desértica del sur de Navarra, en Bardenas Reales. Lo que no pensaron era que cerca de esta localización tenían una base miliar. Esto provocó que los aviones F6 sobrevolasen muy cerca de sus cabezas interrumpiéndolos con su presencia y con el ruido que provocaban al sobrevolar tan bajo. No obstante, a pesar del problema decidieron continuar rodando allí con la idea de introducir posteriormente el audio doblado. 

   Tras las problemática con los aviones, el segundo día se produjeron nuevos y más graves problemas. Una fuerte tormenta no anunciada comenzó a inundar las arenas sobre las que estaban rodando. Con el granizo se empezó a romper la maquinaria técnica y parte del decorado. De hecho en esta foto vemos a un jovencísimo Johnny Deep (el chico de la gorra) correr bajo la lluvia en un intento de salvar parte de la maquinaria del rodaje y refugiarse. 

    Cuando intentaron volver a retomar el rodaje, resultó que Rochefort (Don Quijote) se sentía mal. Y a pesar de ser un experimentado jinete, no dejaba de mostrar muecas de dolor que le impedían actuar con normalidad. Además empezó a necesitar ayuda para moverse, especialmente para subir y bajar del caballo. Gilliam se negaba a rodar sin un Quijote subido a su Rocinante, por lo que decidieron esperar. Rochefort fue a hacerse unas pruebas médicas a París. Resultó que tenía una doble hernia discal que lo apartaría del rodaje, al menos hasta su recuperación. Gilliam sabía que era prácticamente imposible sustituirle ya que había pasado dos años buscando a su Don Quijote y este había tenido que aprender inglés durante más de medio año para el papel. 

   Mientras tanto, Gilliam decidió rodar las escenas en las que Johnny Deep aparecía en solitario. Una de ellas se rodaba en el Monasterio de la Piedra. También en una de las escenas el actor se enzarzaba con una pequeña batalla con un pez al tratar de pescarlo.   

                                                          

    Para más inri, los inversores de la película presentaron una reclamación por valor de 15 millones de dólares. Este hecho provocó que los derechos del guión pasasen a manos de las aseguradoras. En 2006 Gilliam afirmó que tras años de litigios legales habían conseguido de vuelta los derechos sobre el guión.

     En 2008 volvieron a comenzar con la preproducción con la intención de iniciar el rodaje de cero con Johnny Deep como Toby y con Robert Duvall como Don Quijote. También se incorporaba Ewan McGregor al elenco. Con la idea de rodar en 2010, Gilliam volvió a sufrir problemas para financiarla y para cuadrar las agendas de los actores con su proyecto.

    Lo volvió a intentar en 2014 con la idea de rodar en las Islas Canarias con la producción de Adrián Guerra y esta vez con John Hurt como Don Quijote. Por desgracia al año siguiente se confirmó que la película se volvía a suspender una vez más, en esta ocasión debido a que John Hurt cayó enfermo. A esas alturas El hombre que mató a Don Quijote ya parecía un proyecto maldito. De hecho incluso hasta Orson Welles quiso rodar una película de Don Quijote en su momento y murió antes de poderla hacer.                                                          

    Finalmente tras un total de ocho intentos fallidos, El hombre que mató a Don Quijote se hizo realidad el 19 de mayo de 2018 cuando se estrenó en el Festival de Cannes y en muchos de los cines franceses. La semana que viene hablaremos de esta película al fin concebida. 

“Si vas a hacer una película sobre Don Quijote, tienes que llegar a ser tan loco como El Quijote”.

Terry Gilliam.

Te recomiendo también mi post sobre Interstellar:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2021/01/interstellar.html

Mi post sobre 62 carteles míticos de películas:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/11/62-carteles-miticos-de-peliculas.html

Mi post sobre Mejores imágenes del cine: Parte I:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/05/mejores-imagenes-del-cine-parte-1.html

Mi post sobre Mejores imágenes del cine: Parte II:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/09/mejores-imagenes-del-cine-parte-ii.html

Mi post sobre Mejores imágenes del cine: Parte III:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/09/mejores-imagenes-del-cine-parte-iii.html

¿En qué consiste el trabajo de un director de fotografía?:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/06/en-que-consiste-el-trabajo-de-un_26.html

“Mary Shelley”.

     Mary Shelly (mismo nombre en su título original) es una película del Reino Unido de 2017, dirigida por Haifaa Al-Mansour, y escrita por Haifaa Al-Mansour y Emma Jensen. El encargado de la fotografía fue David Ungaro, y la encargada de la composición musical Amelia Warner. Entre el elenco de actores que componen la película podemos encontrar a: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Maisie Williams, Joanne Froggat, Tom Sturridge, Stephen Dillane, Ben Hardy, Ciara Chaterins, Hugh O´Conor, Dean Gregory, Gilbert Johnston, Jack Hickey, Sarah Lamesch y Michael Cloke.

  La película nos cuenta los inicios como escritora de Mary Wollstonecraft Godwin (posteriormente Mary Shelley por matrimonio), una joven que lucha por hacerse un hueco en un mundo de hombres en pleno siglo XIX. Siendo todavía una adolescente conoce al que se convertirá en su marido, el afamado poeta Percy Shelley. Mary y Percy se fugan juntos, punto de inflexión que complicará la vida de la joven por el escándalo que supone que la hija de un hombre de bien se escape con otro joven casado. Sus vivencias tras dejar su casa, los problemas que tiene con el poeta, la pérdida de su primera hija y el entorno que la rodea, es lo que lleva a Mary a escribir una de las obras cumbres de la literatura: Frankestein o el Moderno Prometeo. La obra nos habla de crear y quitar vida, del atrevimiento de la humanidad a ser dios. Motivada por su interés por la ciencia y por los relatos góticos, Mary escribe esta obra que marca un antes y un después en la literatura dando paso a la ciencia ficción. 

     Mary Shelley es la primera película dirigida por una mujer de Arabia Saudí que ha tenido transcendencia en Hollywood, se trata de Haifaa Al-Mansour. Se podría decir que este dato es tan feminista como la propia película. Haifaa Al-Mansour es conocida también por haber dirigido Wadjda  (2012), Nappily Ever After (2018), The Perfect Candidate (2019), además de un par de documentales y dos cortometrajes. La directora se sintió muy identificada con Mary Shelley por su lucha feminista, porque ambas son mujeres que buscan su voz enfrentándose a los prejuicios que las rodean. 

     La productora de la película Amy Baer, se aseguró de que los puestos de mayor relevancia de la película fuesen cubiertos por mujeres. De ahí la dirección de la directora (Haifaa Al-Mansour), la guionista (Emma Jensen), la compositora (Aemia Warner), la directora de montaje (Alex Mackie) y la directora de vestuario (Caroline Koener) entre otros puestos. 

     Antes de que el guión pasase a llamarse como la protagonista, este se titulaba  A storm in the stars (Una tormenta en las estrellas). Finalmente se decantaron por Mary Shelley porque resulta más explícito con el contenido de la película. 

    Todos los actores debieron leer la novela Frankestein antes de empezar con el rodaje. Además, Elle Fanning (quien interpreta a Mary Shelley) y Bel Powley (interpreta a su hermanastra Claire Powley), debieron leer también algunos trabajos de Polidori y de Lord Byron.

    Entre el reparto de Mary Shelley podemos encontrar a dos actores conocidos por la serie Juego de Tronos. Se trata de Maisie Williams, quien interpreta a la prima de Mary, y Stephen Dillane, quien interpreta a al padre de Mary. Además, también aparece Joanne Froggatt, conocida por su papel en Downton Abbey como la sirvienta más carismática. En esta película Joanne interpreta a la madrastra, no demasiado buena, de Mary Shelley. 

    Elle Fanning es la actriz que interpreta a Mary Shelley. Se podría decir que era perfecta para el papel, y no solo por los rasgos físicos que se consideran similares a los de la autora, sino porque tenía dieciocho años cuando rodó la película, la misma edad con la que Mary escribió su gran obra Frankestein o el Moderno Prometeo. Esta no era la primera vez en la que la actriz se ponía en la piel de un personaje de una película histórica. Ya había trabajado anteriormente en La seducción, no obstante hasta el momento no había tenido que someterse a una norma estricta de vestuario. Porque en este caso tuvo la desgracia de tener que ir siempre con corsé. 

    Otro de los personajes principales es Percy Shelley, el marido de Mary. Para escoger al actor que fuese a interpretar este importante papel, se inspiraron en mitos de la música como Mick Jagger, Pete Doherty, Marianne Faithfull y Amy Winehouse. Finalmente un adecuado Douglas Booth se hizo con el papel. 

     La película se rodó en seis semanas. Se grabó en Irlanda y Luxemburgo a pesar de que la historia transcurre en Inglaterra, Escocia y Suiza.

 

    Y para terminar con los datos de interés, cabe destacar que, según la directora, no pudo evitar dejar de sorprenderse cuando repasó de nuevo la novela Frankestein tras leer el guión. Se dio cuenta de que en el guión Percy Shelley abandonaba a su mujer del mismo modo en que el doctor Víctor Frankestein abandona a su creación. 

     Recomiendo a esta película a todo aquel interesado en la autora, en su vida y en todo lo que le llevó a escribir Frankestein. No obstante, la película limita mucho su vida porque trata una fracción muy pequeña de la vida de Mary Shelley, tan solo el periodo de crecimiento desde que conoce a Percy hasta que escribe su gran obra. Si queréis conocer más sobre ella siempre es mejor dar con una buena biografía. Solo así os encontraréis con datos muy interesantes sobre ella que la película no recoge. Empezando porque tuvo que sufrir la pérdida de más de un hijo y que solo su hijo llamado Percy sobrevivió. Seguido de los distintos países en los que vivió la autora a lo largo de su vida. Continuando por una escena, que sin duda habría sido de lo más cinematográfica, y que se produjo tras la muerte de su marido, cuando uno de sus amigos comunes rescató el corazón de Percy Shelley de entre las llamas para devolvérselo a su mujer. Y continuando por la edad de mayor madurez de Mary Shelley, momento en el que tuvo que sufrir sobornos, pero que como siempre salió adelante con fuerza. La película tampoco nos enseña que después de la publicación de Frankestein, y de que se desvelara su nombre como la auténtica autora en la segunda edición, Mary Shelley se convertiría en una escritora de éxito siendo mujer en un mundo tan masculinizado. 

“Está bien gozar de un cuento de fantasmas de vez en cuando”.

Mary Shelley.

“Mary Shelley”.

Te recomiendo también mi post sobre Las Horas: https://blogretratosdecine.blogspot.com/2019/09/las-horas.html

Mi post acerca de películas sobre el voto femenino: https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/03/peliculas-sobre-el-voto-femenino.html

Mi post sobre mujeres en el mundo del cine: https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/03/mujeres-en-el-mundo-del-cine.html

Mi post sobre Loving Vincent: https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/04/loving-vincent.html

Y también mi post sobre El juego de la sospecha (Clue): https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/09/el-juego-de-la-sospecha-clue.html

“Interstellar”.

     ¡Feliz 2021! Tras dejar atrás el fatídico año pasado, y con la esperanza de que este año sea al menos un poco mejor que el anterior, hoy os traigo un post muy especial. Os hablaré sobre una película espectacular titulada Interstellar.

    Interstellar es una película estadounidense de 2014, dirigida por Christopher Nolan y escrita por Christopher Nolan y Jonathan Nolan en base a las teorías científicas y los trabajos de Kit Thorne. La banda sonora de la película la compuso Hans Zimmer, y la fotografía fue realizada por Hoyte Van Hoytema. Entre el elenco de actores que compone la película se encuentra: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, David Gyasi, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Matt Damon, Michael Caine, John Lithgow, Casey Affleck, Timothée Chalamet, Wes Bentley, Ellen Burstyn, Topher Grace, David Oyelowo, Collette Wolfe, Leah Cairns, Elyes Gabel. 

   La película, de 196 minutos, costó 165 millones de dólares, lo cual significa que cada minuto costó unos 976.331 dólares por segundo. Recaudó 677 millones de dólares, convirtiéndose así en uno de los taquillazos más fuertes de su año.

  Para el guión de la película, los hermanos Christopher y Jonathan Nolan se dejaron influenciar por películas como: 2001: Odisea del espacio, Star Wars, Blade Runner, Encuentros cercanos del tercer tipo y Alien. En cambio no quisieron ver Gravity, la película de Alfonso Cuarón estrenada un año antes, probablemente para no tomar influencias de otra película tan cercana en el tiempo. 

     En esta fantástica película, Joseph Cooper y Amelia Brand son enviados a otra galaxia, en una misión organizada por la NASA (que en esa época está prohibida y actúa de forma clandestina) para salvar a la humanidad. Su misión es encontrar un nuevo planeta que pueda ser habitable para la vida humana, o en su defecto crear una nueva colonia en otro planeta para evitar la extinción del ser humano. De forma paralela, la hija de Joseph, Murph, busca la forma de salvar la tierra resolviendo una complicada fórmula matemática.

     Para los hermanos Nolan era importante que la película tuviese una gran base científica, de modo que todo lo que sucediese en ella pudiese justificarse con la ciencia. Para ello contaron con el físico teórico ganador del Premio Nobel Kip Thorne, quien les ayudó con el guión de la película. Interstellar se basa en la teoría física que el científico lleva defendiendo desde hace décadas. Esta teoría nos habla de las ondas gravitatorias y del experimento LIGO mediante el cual consiguió detectar y demostrar la existencia de dichas ondas. Kip Thorne fue uno de los primeros físicos en investigar las leyes de la física que permiten la conexión entre el tiempo y el espacio. Defiende la idea de viajar en el tiempo atravesando agujeros de gusano. Según el científico el problema de estos viajes sería que no se puede volver hacia atrás. El científico apunta que una máquina del tiempo se autodestuiría ella sola en el momento de su activación. Todas estas teorías e investigaciones científicas forman todavía un interesante debate por parte de los expertos de la comunicad científica. 

   Está claro que los agujeros de gusano son una parte imprescindible de la película. El personaje de Romilly se lo explica Joseph Cooper al igual que hace el personaje del Dr. William Weir en la película Horizonte Final. 

     La versión apocalíptica que presenta la película de la tierra llena de polvo está basada en hechos reales. Se trata de la catástrofe de Dust Bowl, uno de los peores fenómenos ecológicos del siglo pasado. Este fenómeno multiplicó los efectos de la Gran Depresión, provocando también un mayor número de desplazamiento de población en un breve espacio de tiempo. El más grande conocido en el país. Tres millones de habitantes se vieron obligados a abandonar sus granjas durante los años 30, más de medio millón emigró a otros estados (especialmente al oeste). De hecho, los testimonios que vemos al principio de la película hablando acerca de las grandes nubes de polvo, son testimonios reales. 

     Cierto es que Christopher Nolan fue el principal artífice de la idea para este proyecto. Aun así, en un principio Warner Bros quería que la dirigiese Steven Spielberg. Preferían a Spielberg porque este ya había tocado el tema espacial con películas como Encuentros en la tercera fase. Spielberg, que por aquel momento se encontraba ocupado en otros proyectos (El puente de los espías y Ready Player One), rechazó su dirección. Jonathan Nolan, quien ya había entrado en la película como guionista, aprovechó para sugerir el nombre de su hermano al estudio. Por suerte aceptaron la sugerencia, encantados con otros trabajos de Christopher Nolan como lo es la trilogía de El caballero Oscuro y Origen, esta última también con base científica. 

    Christopher Nolan se tomó muy en serio todo lo de mantener el guión en máximo secreto. Por ello, no solo pidió discreción, sino que repartió las copias del guión en papel rojo brillante, de modo que este no podía ser fotocopiado.

De hecho cuando Matthew McConaughey leyó el guión, tuvo que hacerlo en presencia de un representante de producción. Tardó cinco horas en leerlo, luego devolvió la copia original, y decidió no contarle nada ni siquiera a su mujer hasta que finalizó la producción de la película.

    La actriz, Jessica Chastain, quien interpreta a la hija de Cooper ya de mayor, se encontraba rodando en Irlanda cuando recibió su guión. De modo que se lo mandaron con una marca de agua con su nombre en cada página, y también tuvo que devolverlo rápidamente en cuanto terminó de leerlo. 

     Tras un tráiler que tampoco quiso desvelar mucho, Nolan consiguió su objetivo de no revelar nada importante hasta el estreno de la película.

Por aquí os dejo un enlace al tráiler en español para qué podáis comprender mejor a qué me refiero:

    Hablaremos ahora del famoso fantasma de la película. El guión de la película está tan cuidado y tan bien tratado, que una de las primeras frases que se escuchan en la película, ya se desvela la trama principal. Esto sucede cuando Murph, la niña, se sobresalta y le dice a su padre: “Pensé que tú eras el fantasma”. De este modo hace una analogía al final, cuando Jospeh Cooper, el padre, viaja en el tiempo e intenta contactar con su hija Murph. Se demuestra así que era él el que había estado siempre al otro lado de la estantería, intentando contactar con ella para darle la fórmula que salvaría a la humanidad. 

   Las escenas con los maizales son algunas de las más llamativas de la película a nivel visual. En Estados Unidos los campos de maíz siempre se han relacionado con el mundo extraterrestre, incluso los aficionados este tema aseguran que los extraterrestres nos dejan mensajes en el maíz que tan solo pueden leerse desde arriba. En este caso, para la película, se cultivaron 500 acres y posteriormente se vendió todo lo que se había generado (y que no había resultado quemado) para estas espectaculares escenas. 

    Si algo tenemos ya muy claro es que para Christopher Nolan era imprescindible darle el máximo realismo y rigor científico posible a la película. Para ello hizo uso de efectos especiales poco convencionales.

    La mayor parte del tiempo, los robots que aparecen en la película no se recrearon por ordenador, sino que se hicieron a la antigua usanza mediante maquetas. Estas maquetas las hizo el artista físico Billy Irwin. Como resultado tenemos robots con sensación pesada y algo torpe; y humanizados, como si se tratase de un personaje más.

   Incluso llegaron a crear polvo sintético espacial a base de celulosa para recrear las tormentas de polvo.

   Como era de esperar, estos aspectos técnicos incluían rechazar el uso del exceso de croma. Como resultado de esto, Christopher Nolan les pidió a los encargados de efectos especiales que recreasen algunos fondos para proyectarlos. Seguramente los actores agradecieron este gesto, porque podían ver el fondo sobre el que estaban trabajando y eso les facilitó la interacción con el mismo.

    Siguiendo esta idea, se intentó trabajar con la mayor cantidad de localizaciones reales posible. Para ello se construyeron varios sets a propósito y rodaron incluso en Islandia. A parte, están los maizales citados anteriormente.

     Y por si fuera poco, con respecto al aspecto técnico, cabe destacar que la película se rodó usando cámaras de 15/70mm IMAX. Esto supuso que la película ocupase la brutalidad de 800 terabytes. A causa de esto tardó 100 horas en renderizarse el proyecto final. 

     Matthew McConaughey interpreta al protagonista de la película, Joseph Cooper. El nombre de pila de este personaje no se menciona en la misma, convirtiéndolo así en un símbolo del padre sin nombre, el padre de la futura raza humana, y probablemente también un padre ausente para la pequeña Murph.

   El trabajo de este actor en la película es impecable. Sin duda no habríamos podido imaginar a nadie mejor para interpretar a Jospeh Cooper. 

    Murph es otro personaje imprescindible de la película. En un principio iba a ser un niño, suerte que terminó siendo una niña, cosa que agradezco. Además, las actrices que la interpretan (Mackenzie Foy y Jessica Chastain) no podrían estar mejor en la película.

    Otra curiosidad es que uno de los libros con los que se comunica con su padre a través de la estantería es un libro de Stephen King titulado The Stand (La Danza de la Muerte), novela en la que sus personajes tratan de conllevar el apocalipsis en un terrible paisaje de Estados Unidos. 

     Anne Hathaway es otra de las actrices con un papel relevante en la película. Se trata del personaje de Amelia Brand, la compañera de aventuras de Cooper. La actriz, que también hizo un excelente trabajo, aseguró, en el famoso programa de Jimmy Kimmel, que el rodaje de las escenas en las que ella y Cooper exploran planetas desconocidos, había sido muy complicado. 

     En la mayoría de proyectos cinematográficos la banda sonora se trabaja en el proceso de postproducción, pero en este caso fue distinto. Christopher Nolan, el director, quiso adelantarse mandándole una carta a Hans Zimmer, el compositor, en el que le explicaba que debía componer en base a lo siguiente: “Un padre tiene que dejar a su hijo para hacer una cosa importante. El padre le dice que volverá y el hijo le pregunta cuándo”.

    El compositor se aisló en su apartamento de Londres durante un mes para vivir como un ermitaño. Tardó dos años en conceptualizar y componer el score, y trabajó mientras se estaba trabajando en el guión y en el propio rodaje de la película. Se procuró que cuando se estuviese grabando una escena ya estuviese preparada la partitura de la misma.

    Lo más destacado de la banda sonora de esta película es su instrumento clave: el órgano. Se escogió este instrumento porque hasta la revolución industrial era la máquina más compleja que existía. Además, su relación con la espiritualidad le atribuye mucho más valor y peso a esta elección. 

Si quieres saber más al respecto de la banda sonora y a algunos conceptos de la película, no puedes perderte este interesantísimo vídeo del youtuber Jaime Altozano:

     Interstellar obtuvo un grandísimo y muy merecido éxito. Fue nominada a los Óscar en las categorías de Mejor sonido, Mejor edición de sonido, Mejor diseño de producción, Mejor banda sonora y Mejores efectos visuales (de la cual fue ganadora). Hans Zimmer fue nominado a los Globos de Oro en la categoría de Mejor banda sonora original. En los Premios BAFTA fue nominada en las categorías de Mejor música original, Mejor fotografía, Mejor diseño de producción y Mejores efectos visuales (de la cual fue ganadora). Los Premios Saturn la nominaron en once categorías (solo nominadas: Mejor montaje, Mejor director, Mejor actor para Matthew McConaughey, Mejor actriz para Anne Hathaway, Mejor actriz de reparto para Jessica Chastain) / (categorías ganadoras: Mejor guión, Mejor actuación de joven actor o actriz para Mackenzie Foy, Mejores efectos especiales, Mejor diseño de producción, Mejor banda sonora y Mejor película de ciencia ficción). La Satellite Awards la nominó en las categorías de Mejor fotografía, Mejor banda sonora y Mejores efectos visuales. La Critics Choice Awards le concedió el premio en la categoría de Mejor película de ciencia ficción. La Asociación de Críticos de Chicago la nominó en las categorías de Mejor director, Mejor banda sonora, Mejor fotografía y Mejor dirección artística. Incluso la American Film Institute la situó en su famoso Top 10 Mejores películas del año.

 

     Interstellar está considerada como una de las mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos. Se la sitúa incluso al lado del clásico 2001: Odisea en el especio de Standley Kubrick. Aclamada, tanto por el público como por la crítica, para muchos, entre los que me incluyo, Interstellar es una película de culto. Es una película que combina un guión excelente, con imágenes igual de espectaculares y con una banda sonora inmejorable. 

“Siempre nos hemos caracterizado por nuestra habilidad de superar lo imposible. (…) Esos momentos en los que nos atrevemos a ir más alto, romper barreras, alcanzar las estrellas y hacer lo desconocido conocido”.

Joseph Cooper.

“Intestellar”.

Te recomiendo mi post sobre Dallas Buyers Club:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2019/06/dallas-buyers-club_3.html

Te recomiendo mi post sobre Los cambios de peso más drásticos en actores:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/01/los-cambios-de-peso-mas-drasticos-en.html

Te recomiendo también mi post sobre Origen:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/10/origen.html

Mi primer post del año pasado titulado Famosos fallos de raccord en el cine:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/01/famosos-fallos-de-raccord-en-el-cine.html

Y por supuesto mi post sobre 62 bandas sonoras increíbles:

https://blogretratosdecine.blogspot.com/2020/01/62-bandas-sonoras-increibles.html